Musik

„NECTAR OF THE GODS“ ist das 6. Studioalbum auf dem Tonzonen Records Label der 2008 gegründeten Ausnahmeformation, die seit Mai 2014 in der klassischen, perfekten Besetzung eine stets wachsende Fangemeinde weltweit begeistert.
Nach überschwänglichen Reaktionen auf die ersten fünf Studioalben schlagen die SPACELORDS mit „NECTAR OF THE GODS“ ein weiteres, bis dato unerhörtes Kapitel in ihrem originellen, magischen All-Atlas auf.

Das sich stets neu erfindende, tief ineinander verwobene Zusammenspiel des Trios, zieht mit seiner hingebungsvollen Spielfreude, wie sie nur echte Freunde aufzubringen vermögen, die Stoner,- Space- und Kraut- Rock - Gemeinde zunehmend in ihren Bann.

Es ist der Kreislauf des Lebens, eingefangen in Musik und Bewegung, wo jede Flamme von Leidenschaft spricht und jede Glut einen Neubeginn verspricht. Der Blick richtet sich in die Flammen – tief, entschlossen und wachsam. In diesem Moment verschmelzen Kunst und Natur, und der Flamenco wird zur Verkörperung des Feuers: intensiv, lebendig und voller Geheimnisse. Jede Bewegung, jeder Akkord und jeder Klang spiegelt diesen kraftvollen Dialog zwischen Altem und Neuem wider. Tauchen Sie ein in die Welt des Flamenco, live aus Sevilla, und lassen Sie sich von der Leidenschaft und Schönheit dieses außergewöhnlichen Abends verzaubern. Ein Erlebnis, das Sie nicht verpassen sollten!

Antonio Andrade Andrade erblickte das Licht der Welt in La Puebla de Cazalla, nahe Sevilla. In der Umgebung seiner Familie tauchte er tief in die Kultur seiner Vorfahren, dem Flamenco, ein. Sein Onkel José Menese, eine lebende Legende des Flamencos, fungierte stets als leuchtendes Vorbild für ihn. Gemeinsam mit seinem Bruder Javier Andrade, der zugleich sein Manager und Produzent ist, gründete er die Compañía Flamenca Antonio Andrade und gestaltete das Gesicht des Flamencos mit wegweisenden Produktionen wie "Mi Andalucia", "Viva Sevilla", "Flamenco es mi vida", “Noches de Amor”, “Vaya con Dios”, “Bailando al Cante”, “Lluvia de Tierra”, “Flamenco Suite", "Mi Carmen Flamenca", “Torera” und "Flamenco meets Tango" entscheidend mit.

Unzählige Tourneen führten ihn durch alle 5 Kontinente. Von Europa (u.a. Deutsche Oper Berlin, Alte Oper Frankfurt, Prinzregententheater München, Philharmonie Warschau, Konzerthaus Wien, Teatro Ariston San Remo) über die USA (u.a. Joyce Theatre New York, Fox Theatre Atlanta, Lensic Theatre Santa Fe) bis nach Japan (u.a. International Forum Tokio, Granship Daichi Shizuoka), China (u.a. Shanghai Oriental Art Center und Pekín Mei Lang Fan Gran Opera), Russland sowie viele anderen Länder, wie Panama, Türkei, Marokko, Syrien, Kanada, Oman bis nach Australien. 

Darüber hinaus war er maßgeblich an Produktionen wie "Magneten" unter der Leitung von André Heller beteiligt und arbeitete mit renommierten Ensembles wie dem Music Ensemble of Benares (Indien) oder Maria Benitez Teatro Flamenco (USA) zusammen. Unter der Leitung von Cristina Hoyos und dem Dirigenten John Axelrod brachte er mit der "Real Orquesta Sinfónica de Sevilla" die Produktion “Homenage a Carmen” zu einer beeindruckenden Uraufführung in den Reales Alcázares von Sevilla.

Er ist Mitbegründer der weltweit ersten Flamenco Theatern – Teatro Flamenco Madrid, Teatro Flamenco Sevilla und Teatro Flamenco Málaga.

Mit über zehn Studioalben und internationalen Auftritten hat sich Diorama eine leidenschaftliche Fanbasis aufgebaut. Club-Hymnen reihen sich an kunstvoll arrangierte Midtempo Balladen, Anleihen aus Industrial und Progrock klingen an. Auf der Bühne zeigt sich Diorama energiegeladen und visuell stark - ein Live-Erlebnis, das ins Herz trifft. Ob auf Festivals oder in intimen Clubshows: Jede Show ist eine Reise durch Licht und Schatten, ein Tanz auf dem schmalen Grat zwischen Euphorie und Abgrund, zwischen Eskapismus und Konfrontation.

Unter der headline "a substitute for light" setzen Diorama ihre musikalische Reise 2025/2026 fort.

Lineup:
Torben Wendt - Gesang | Zura Dzagnidze - Gitarre | Felix Marc - Keyboards | Markus Halter - Drums

LATURB sind der brutalste Beweis, dass das New Wave und Synthpop Revival der jüngeren Vergangenheit dringend nötig war. Du willst diese drei Überschnuckis als neue beste Freund:innen haben, wenn du nur einer ihrer Liveshows beigewohnt hast. Diese sind ein wilder Ritt auf 80s Synthesizern und punkigen Gitarrenriffs, getragen von punchigen Rhythmusmaschinen und den Ausnahmestimmen der ungleichen Sängerinnen. Neben catchy hooklines werfen die zwei sich obendrein in halsbrecherische Anarchoakrobatik und zünden eine Überraschungsgranate nach der nächsten. Trash and treasures am laufenden Band, bevor uns das Bremer Trio hochemotionalisiert im Konfettiregen zurücklässt – zum Schockverlieben!

Joon Laukamp, Paul Lindenauer, Philipp Keck, Steffen Thede und Pierce Black sind Virtuosen auf ihren Instrumenten. Sie stammen zum Teil aus den USA und Neuseeland, haben unterschiedliche Wurzeln in Jazz, Rock, Klassik und Barockmusik und sind perfekt aufeinander eingespielt. Was sie zusammengeführt hat, ist ihre Liebe zu den akustischen Musiktraditionen der amerikanischen Südstaaten und ihren modernen Varianten.

In ihren mitreißenden Konzerten vermitteln die Bashed Potatoes die kosmopolitische Geschichte des Bluegrass, der aus europäischen und afroamerikanischen Volksmusiken entstanden ist. Zu ihrem Repertoire zählen ausgewählte Traditionals erfüllt von Sehnsucht, Vergänglichkeit und Spiritualität, Newgrass-Songs über gegenwärtige Themen, sowie tanzbare Instrumentals und eigene Stücke.

Joon Laukamp Violine, Mandoline, Gesang
Paul Lindenauer    Geige, Gesang
Philipp Keck, Gitarre, Banjo, Mandoline, Gesang
Steffen Thede, 5string Banjo
Pierce Black, Kontrabass, Gesang

Die hier versammelten Moritaten, Momentaufnahmen und Menschenbetrachtungen helfen dabei. Sie erheitern, stiften Nähe, Distanz und neue Zugänge ins Altbekannte. Angezählte Vorstellungen vom Leben schillern in Reimen und Versen von süffisanter Zugewandtheit. Stimmen aus Großraumbüros, Straßen und Plätzen treffen auf innere Monologe von Nachbarn, Gegnern und besten Freundinnen.

Das Papperlapapp dieser Stücke ist beredt. Ein Abend für Balladenfans und Beethovenliebhaber, Physikversteherinnen, Dada-Genießer und schöne Seelen, allen Zeitläuften zum Trotz. Tiefbohrendes Poesie-Easy Listening.

Besetzung: Timo Brunke Wort, Andreas Krennerich Saxofon, Boris Kischkat Gitarre + Looper, Daniel Kartmann Percussion + Vibrafon

Timo Brunke ist von Beruf freischaffender Wortkünstler. Nach einem Studium der ev. Theologie und einer Schauspielausbildung bei Frieder Nögge begründete er 1999 den Stuttgarter Poetry Slam. Seit 1993 tritt Brunke mit seinen Texten und Programmen im In- und Ausland auf. In seinen Soloprogrammen experimentiert er sowohl mit traditionellen Formen wie Ode und Ballade als auch mit den aktuellen Sprechweisen des Rap und des Spoken Word.

Als Partner von Bas Böttcher gastierte Timo Brunke mit der Textbox, dem "kleinsten Massenmedium der Welt", an Orten wie der Neuen Nationalgalerie Berlin, dem Centre Pompidou oder internationalen Buchmessen wie Peking, Abu Dhabi oder Bangkok. Zusammen mit Sebastian Krämer ist er mit dem Schauerballaden-Programm "Zackebuh" auf Tour. 2019 gründete er die Hölderlin-Spoken-Word-Band, um Hölderlins Dichtung im Hölderlin-Jubiläumsjahr in einen "riskanten Austausch mit der Gegenwart" zu bringen. Seit einigen Jahren arbeitet Timo Brunke als Konzertpoet. Im Austausch mit Dirigent:innen wie Friederike Kienle, Garrett Keast, Elias Grandy, Matthias Foremny und Dan Ettinger entstanden Konzerte, in denen das gesprochene Wort auf rhythmisch-klangliche wie erzählerische Weise mit dem musikalischen Geschehen spielt. Mit dem Ensemble Balance ist er seit 2020 produktiv verbunden.

Neben seiner künstlerischen Arbeit macht sich Timo Brunke seit vielen Jahren für die sprachliche Bildungsarbeit stark. Er ist Autor mehrerer Sprachspielbücher für einen musischen Deutschunterricht und bildet Deutschlehrerinnen und Deutschlehrer am Literaturpädagogischen Zentrum des Stuttgarter Literaturhauses fort. "Mitteleuropapperlapapp" heißt Timo Brunkes aktueller Gedichtband, erschienen 2023 beim SATYR-Verlag Berlin

„Tomorrow We'll Figure Out the Rest ist nicht nur der Titel eines Albums, sondern auch eine Reflexion darüber, was das Leben im Moment ausmacht - die Erlaubnis, nicht alles perfekt geplant zu haben“, erklärt Silje Nergaard. „Diese Inspiration kommt aus einer sehr nahen Quelle: meinen Eltern. Sie haben mir gezeigt, wie viel Freude Musik in ein Zuhause bringen kann - die Freude und auch die Traurigkeit, die sie in unsere Herzen bringt. Sie haben mich gelehrt, dass das Leben nicht immer bis ins letzte Detail geplant sein muss."

Mit ihrer einzigartigen Fähigkeit, bewegende Geschichten durch Musik zu erzählen, mischt Silje auf Tomorrow We'll Figure Out the Rest intime Jazzklänge mit orchestralen Arrangements. Ihr zur Seite stehen führende europäische Jazzmusiker, darunter Helge Lien (Klavier), Jarle Vespestad (Schlagzeug), Finn Guttormsen (Bass), George (Jojje) Wadenius (Gitarre) und Håkon Kornstad (Saxofon). Ergänzt wird das Ensemble durch das renommierte Stavanger-Sinfonieorchester unter der Leitung von Vince Mendoza, der die emotionalen, lebendigen und bisweilen filmischen Orchesterarrangements für das Album komponierte. Mendoza und Nergaard haben bereits für das Grammy-nominierte Album A Thousand True Stories zusammengearbeitet.

Besonders berührend sind die persönlichen Einblicke, die Silje Nergaard in das Album eingewoben hat: „Es gibt ein paar kleine Momente, die zeigen, wie mein Leben als Kind aussah. Ich habe eine alte Kassette gefunden, auf der ich mit meinem Vater spreche - ich war damals gerade fünf Jahre alt. Darauf singen meine Schwester, meine Eltern und ich gemeinsam. Diese Aufnahmen haben mich zutiefst bewegt, und ich freue mich sehr, sie mit euch zu teilen.“

Das Album verbindet die intime Atmosphäre eines Kammerjazzensembles mit dem majestätischen Klang eines großen Orchesters. Und das überzeugt auch im Live-Sound.

25 Jahre WORLD WILD POP

Treibende Grooves, wilde Saxophone und ein Sound, der die Welt umarmt. Mit der RESISTDANCE TOUR feiern Äl Jawala Musik, die Grenzen sprengt, Kulturen verbindet und Menschen auf der Tanzfläche vereint. Äl Jawala stehen für 25 Jahre musikalische Vielfalt, unabhängige Kreativität und ekstatische Konzerterlebnisse. Ihr Stil? Eine vibrierende Fusion aus Balkan Brass, Hip Hop, Afrobeats und elektronischer Club-Ästhetik. Ihre Shows sind geprägt von Improvisation, Leidenschaft und einer Energie, die jede Bühne zum Beben bringt – immer tanzbar, immer überraschend und immer unvergesslich. 2025 ist die perfekte Gelegenheit, Äl Jawala in voller Bühnenenergie zu erleben – bevor sie im kommenden Jahr eine kreative Auszeit einlegen. Nomad Instinct - Globale Sounds. Grenzenlose Energie. Was einst in der Fußgängerzone Freiburgs begann, wurde für Äl Jawala zum Soundtrack einer offenen Welt. Über 1.500 Konzerte, zehn Alben, internationale Tourneen und der Deutsche Creole Preis machen sie zu einer der prägenden Stimmen der globalen Crossover- Szene. Seit ihrer Gründung im Jahr 2000 stehen Äl Jawala für gelebte Vielfalt, musikalischen Nomadengeist und eine unerschütterlich positive Haltung. In einer Welt, die zunehmend unter Druck gerät, setzen Äl Jawala auf Gegenbewegung – durch Musik, durch Gemeinschaft, durch Tanz. 2025 feiern sie ihr Jubiläum mit neuer Musik, unbändiger Spielfreude und dem Motto RESISTDANCE – als klares Zeichen gegen Stillstand und Spaltung.

Allgemein bekannte Weihnachtslieder neu und fetzig arrangiert, in etlichen Stilrichtungen der Popularmusik interpretiert und in einer höchst unterhaltsamen Live-Show auch vor größerem Publikum präsentiert – das sind die Jahresendfiguren. Weihnachtsmärkte, Weihnachtspartys, Clubs und Gaststätten sind das Revier der Weihnachtsband aus Reutlingen. Und am liebsten spielen sie in der kalten Jahreszeit Open Air.

Die Jahresendfiguren haben den Dreh raus, wie man das Publikum mit Weihnachtsliedern begeistert. In ihrer Liveshow stecken sie die Weihnachtssongs in neue, poppige und rockige Gewänder, lassen den Schnee auch mal im Reggaerhythmus rieseln und auch Schlager- und Countryfans kommen auf ihre Kosten.
Es wird mitgesungen und getanzt, aber auch Wunderkerzen und Feuerzeuge werden gerne entzündet. Ein Konzert der Jahresendfiguren ist eine wunderbare Weihnachtsparty, bei der es auch bei Minusgraden Jung und Alt warm ums Herz wird.

Durch die Neuinterpretation dieser altehrwürdigen Lieder wird Weihnachten keineswegs veralbert – im Gegenteil. Bei allen Songs werden die Originaltexte gesungen. Bei Konzerten singt das Publikum immer häufiger die Jahresend­figuren-Versionen der Weihnachtslieder mit. Das zeigt, dass den Leuten die neuen Arrangements gefallen und sehr gut angenommen werden – und das Genera­tionen übergreifend.

Der Bandname ist Programm, denn die fünf Musiker treten in dieser Besetzung nur in der Weihnachtszeit auf. Auch optisch ist allerhand geboten, denn ­jeder Musiker stellt eine weihnachtliche Figur dar. Da gibt es den Nikolaus, ein Rentier, einen Engel, einen Weihnachtsbaum und den Lebkuchenmann.

Wenn Waving The Guns Konzerte geben, wird die textliche Spannbreite von bewusst stumpf bis unverkrampft tiefgründig einmal ausgeschöpft. Eine WTG-Show ist niemals eintönig oder beliebig, sondern hat eine eigene musikalische und inhaltliche Dramaturgie. Was die Live-Fähigkeiten betrifft, muss sich hinter niemandem versteckt werden. Humor ist dabei immer vorhanden, mal mehr und mal weniger subtil. Kommentare und Gedanken zum Zeitgeschehen werden mit Battle-Rap-Attitüde transportiert und auch, wenn die politische Haltung stets klar ist, stehen Witz und Entertainment immer an erster Stelle. Vermeintliche Grenzen durch Abgrenzungen werden gesprengt, wenn WTG ihr in vielerlei Hinsicht heterogenes Publikum in der Begeisterung für die Band einen. Dabei sollte sich niemand zu sicher sein, nicht doch Ziel eines Seitenhiebes zu werden, denn zum Crowdpleasing gehört hier auch das augenzwinkernde Aufs-Korn-Nehmen. Fallen lassen sollen sich alle, denkfaul werden darf aber niemand.

Die Rostocker haben sich in mehr als zehn Jahren, ohne plötzlichen Hype oder musikalische Strohfeuer, eine stabile Fanbase erspielt, und für nicht wenige Menschen spielen sie eine wichtige Rolle in der musikalisch-politischen Sozialisation. Statt sich darauf auszuruhen, entwickeln sie das eigene Projekt konstant organisch weiter, ohne irgendetwas zwanghaft anders machen zu wollen. Bodenständigkeit, ohne hängengeblieben zu sein, Attitüde und Selbstbewusstsein ohne Selbstüberhöhung, wortgewandte Kritik, die auch vor sich selbst nicht Halt macht und spürbare Liebe für die

Sache – WTG sind die maskierte Antithese zur Hybris des schnelllebigen Musikgeschäfts.

Jenny Thiele hat einen Crush auf das Zusammenlegen von Ideen und Ressourcen - sich inspirieren, sich ausprobieren. Mit Irene Novoa unterhält sie das Duo AnnaOtta – auf ihrer gemeinsamen musikalischen Forschungsreise emulieren die beiden hypnotischen Jazz mit elektronischen Mitteln, machen Avantgarde tanzbar. Und wie! Zudem sieht sich Jenny Thiele über viele Jahre fest (und zuletzt noch mal lose) verschaltet mit der Band Fortuna Ehrenfeld. Ja, genau, der charismatische Act mit dem Typ in Stola, Puschen und Schlafanzug. Das letzte Kommando. Allein durch Fortuna Ehrenfeld stieg Jenny Thieles Konzert-Count in schwindelerregende Höhen.

2022 erscheint dann endlich ihr eigenes Album „Killing Time“ - mit englischsprachigen Texten. Die begeisterte Resonanz, die ihr eigenes Songwriting im Außen auszulösen vermag, fühlt sich toll an. Denn obwohl sie schon immer Musik selbst schreibt, öffnet „Killing Time“ ganz neue Räume. Der reduzierte Sound lässt die emotionalen Singer-Songwriter-Stücke gleichermaßen pointiert wie sanft erscheinen. Jetzt kann es echt losgehen. Und so fungiert diese Platte auch als eine Art Schleuse. Jenny Thiele kann von diesem Punkt nun ihre eigene Legacy von all dem wuseligen Davor abgrenzen. Parole: Platz schaffen. Denn der ist nötiger denn je. Und zwar für ein Album, das 2025 erscheinen wird. Das erste richtig große Ankommen nach all den Aufbrüchen, heißt: „Platz“. Adrenalin!

Lead-Sänger Markos Koumaris begeistert nicht nur mit seiner charismatischen Bühnenpräsenz, sondern auch mit seiner beeindruckenden Sprachvielfalt. Mit Leichtigkeit wechselt er zwischen Griechisch, Englisch, Deutsch, Italienisch und Spanisch und verbindet Rhythmen, Klänge, Geschichte und Identität zu einer unvergleichlichen Performance.

Die Band setzt auf eine beeindruckende Instrumentenvielfalt: Neben Gitarre, Bass, Schlagzeug und Keyboard kommen auch Akkordeon, Bouzouki und der traditionelle Baglama zum Einsatz. Damit kreiert Locomondo eine unverwechselbare Klanglandschaft, die die Wärme der griechischen Sonne mit der entspannten Lebensart Jamaikas vereint.

Locomondo hat bereits die Bühne mit Musikgrößen wie Manu Chao, Alpha Blondy, The Wailers, The Skatalites, Aswad, Mad Professor und vielen anderen geteilt. Der internationale Durchbruch gelang der Band 2005 mit dem Album „12 meres stin Jamaica“, das in Zusammenarbeit mit dem Skatalites-Posaunisten Vin Gordon im legendären Studio One in Kingston, Jamaika aufgenommen wurde.

Noch im selben Jahr entdeckte Nikos Nikiforos, Gründer der Agentur ASTAMATITOS World Music, das Album während eines Heimaturlaubs in Griechenland. Besonders die Reggae-Version des Rembetiko-Klassikers „Frangosyriani“ von Markos Vamvakarishinterließ bei ihm einen bleibenden Eindruck und führte dazu, dass er Locomondo 2006 zu ihren ersten Konzerten in Deutschland einlud.

Es folgte 2009 sogar dazu, dass sich Fatih Akin, der deutsch-türkische Filmregisseur, Drehbuchautor und Produzent, von dem genialen Locomondo-Song „Frangosyriani“ inspirieren ließ. Das Lied fand sowohl im Soundtrack seines preisgekrönten Films „Soul Kitchen“ einen Platz als auch bei der Weltpremiere des Films während der 66. Filmfestspiele in Venedig, für den Gang der Darsteller auf dem roten Teppich.

Die Zusammenarbeit zwischen ASTAMATITOS World Music und Locomondo war der Beginn einer außergewöhnlichen Erfolgsgeschichte, geprägt von der gemeinsamen Leidenschaft für die Verschmelzung von Kulturen und Weltmusik. Über die Jahre entstanden zahlreiche Tourneen und unvergessliche Konzerte, die nun mit den Jubiläumskonzerten gebührend gefeiert werden.

Line-Up:
Markos Koumaris (Hauptgesang, Gitarre, Baglama)
Yiannis Varnavas (Gesang, Gitarre)
Nikos Tatou (Bass)
Stamatis Goulas (Keybords, Sampler)
Stratos Angelos Soundris (Schlagzeug)
Christos Kalaitzopoulos (Akkordeon)
Thanassis "Spogos" Tampakis (Tontechnik)

Willie Colón, Hector Lavoe, Angel Canales und Ruben Blades liefern die Vorlagen, die von Caballo Negro mit neuem Leben gefüllt werden. Knackige Percussion, ein alles umarmender Bass und swingendes Piano liefern die Grundlage für den mächtigen Bläsersatz aus vier Posaunen, dem typischen Instrument dieser Salsa-Ära, und einem röhrenden Baritonsaxofon. Nicht zuletzt sorgt der Gesang von Juan Cadiz und Johnny Gutiérrez für Tanzlaune und Urlaubsfeeling.

Dieser Abend findet in einem besonderen Rahmen statt - nämlich dem einer "relaxed performance".

Relaxed Performance = „entspannte Veranstaltung“
Eine barrierearme Veranstaltung.
Längst nicht nur, aber auch für Menschen, die sich im herkömmlichen, oft mit vielen ungeschriebenen Verhaltensregeln belegten Veranstaltungs-Setup nicht wohl fühlen, die nicht über die ganze Zeit ruhig sitzen können/wollen u.a.m..
Alle können zu der Veranstaltung kommen.
Ohne Stress. Ganz entspannt.

Was macht eine Relaxed Performance zu einer entspannten Veranstaltung?

• Vorab können Sie sich alle wichtigen Infos zur
  Veranstaltung (auch Barrierefreiheit) auf der Homepage des franz.K ansehen: HIER

• Informationen zur Veranstaltung in leichter Sprache

• Es gibt einen Voreinlass, bei Bedarf, um sich in Ruhe im Raum orientieren zu können.

• Verschiedene Sitzmöglichkeiten sind vorhanden (Sitzsäcke, Bestuhlung, freie Platzwahl für Rollstuhlnutzer:innen)

• Es gibt die Möglichkeit sich zurück zu ziehen, wenn Bedarf besteht. Fragen Sie einfach eine Ansprechperson

• Es gibt Ansprechpersonen für alle Fragen rund um die Veranstaltung und Ihr Wohlbefinden

• Geräusche und Aufstehen, sowie auch den Raum verlassen sind auch während der Aufführung erlaubt

• Bei Fragen oder Wünschen zu Ihrem Veranstaltungsbesuch melden Sie sich gerne bei:
  Cinira Macedo und Markus Christ
  ☎ Mobil: +49 (0)176/467 929 92
  Mail: Diese E-Mail-Adresse ist vor Spambots geschützt! Zur Anzeige muss JavaScript eingeschaltet sein.

Wie verständnisvolle Weggefährten nehmen die Lieder von „Prost Ewigkeit“ ihre Hörer mit auf eine Reise durch die Höhen und Tiefen des Menschseins. Sie drehen sich um die ewige Suche, um Liebe, Schmerz, Glück, Verlust, Weisheit und Dummheit - und münden in eine Reise zum Mond: Unsinn und Tiefsinn treffen sich, wenn die drückenden Realitäten auf unserem Planeten die Grenze des Aushaltbaren überschreiten… All dem begegnet die Band mit der ihr eigenen Leichtigkeit, aus der eine Erkenntnis dringt: Dass wir im Miteinander Geborgenheit - und im Dasein Schönheit finden. Weil nichts bleibt und nichts aufhört, weil alles nichtig und alles wichtig ist, stoßen wir auf die Ewigkeit an!

2012 gründeten Sänger Sebastian Horn (auch gefeierter Frontmann der Band Bananafishbones) und Filmkomponist Gerd Baumann (schrieb u.a. die Musik zu Marcus H. Rosenmüllers Film Wer früher stirbt ist länger tot) die Band Dreiviertelblut, nachdem sie einige Jahre zuvor bereits für ein Filmmusikprojekt zusammengearbeitet hatten.

Der gemeinsame musikalische Pfad ist seither eine Erfolgsgeschichte: Die siebenköpfige Band – komplettiert von weiteren fünf virtuosen Musikern – veröffentlichte seither vier hochgelobte Alben sowie einen Live-Konzertmitschnitt mit den Münchner Symphonikern. Ihren bisher größten Hit landeten sie mit dem bayernweit bekannten Song Deifedanz. Weitere Songs der Band sind aus Fernsehserien wie Oktoberfest 1900 oder Der Beischläfer einem breiten Publikum bekannt.

PRESSESTIMMEN:

„Jazzige Improvisationen, meditative Klarinetten-Intros, harter Rock, Kinderlied- Anleihen, gefühlvolle Balladen, Balkan-Fetzer, Reggae, Rap - alles ist möglich in diesen Liedern zwischen Himmel und Hölle.“ — Süddeutsche Zeitung, 7.4.2024 „Durch schonungslose Texte und eine Melange aus traditionellen Klängen und modernen Elementen schaffen sie eine einzigartige Atmosphäre, die das Publikum ab den ersten Tönen in den Bann zieht.“ — Donaukurier, 7.5.2024

„Der Sound gewaltig, die Performance umwerfend, der Gesang von Sänger Sebastian Horn sensationell, die Soli der Musiker hinreißend – was für ein Auftritt. Am Ende dürfen auch die bekannten Lieder nicht fehlen. Bei „Deifedanz“ sitzt niemand mehr im weiten Rund, da wird getanzt und geklatscht.“ — Passauer Neue Presse, 29.7.2024

BESETZUNG:
Sebastian Horn: Gesang
Gerd Baumann: Gitarre, Gesang
Dominik Glöbl: Flügelhorn, Trompete, Gesang
Flurin Mück: Schlagzeug
Luke Cyrus Goetze: Gitarre, Lapsteel, Dobro
Benny Schäfer: Kontrabass
Florian Riedl: Klarinette, Bassklarinette, Moog

Sascha Stiehler an Klavier, Synthesizer und Drums und Antonio Lucaciu an Saxofon und Gesang haben ihre Klappen und Tasten ganz für sich behalten und daraus ein leichtfüßiges drittes Album gemacht: “Klappen und Tasten”. Das klingt nach Fleisch gewordenem Crossover, nach einer Fusion aus Klassik, Jazz und Pop. Genres und Grenzen sind Nebensache. Da wird sich drüber hinweg gespielt, gerappt, gesungen und gelacht. Zwei sich Liebende und herzerwärmend bekloppte Genies lassen alle dabei zusehen, wie sie das tun, was sie am allermeisten lieben und das spürt man sofort.

Die BamBamBand sind: Beate Sauter - Gesang und Gitarre, Martin Norz - Gesang und Gitarre, Jens Eberhardt - Klavier, Michael Stadel - Schlagzeug, Linus Wöllhaf - Geige und Christof Speiser - Bass Allesamt keine unbekannten MusikerInnen in der Region. Hier treffen sich Musikbegeisterte aus unterschiedlichen Genres von Blues, Country, Rock, Pop, Klassik bis hin zu Independence, Funk und Singer Songwriter Musik.

Lisa Bassenge betrat kometengleich die Jazzszene und machte unmissverständlich klar, dass ihr der Jazzbegriff zu eng ist. Bis zum heutigen Tag setzt sich die Berliner Sängerin sehr intensiv mit Americana, Country aber auch Strömungen des Pop auseinander. So ist ihre Musik stets jung geblieben und hat dank ihrer einzigartigen Stimme einen hohen Wiedererkennungswert. Musik für Menschen ohne Schubladen im Kopf.

Mit „Wildflowers“ vollendete sie ihre Trio-Trilogie – mit Jacob Karlzon am Klavier und Andreas Lang am Bass, wie schon bei ihren beiden vorigen Alben. Die Songs: scheinbar querbeet und doch aus einem Guss. Von Dolly Parton bis Depeche Mode reicht die Bandbreite auf „Wildflowers“, von Bob Dylan bis Death Cab for Cutie. Ein bunter Strauß, aber so wie die drei ihn arrangieren und darbieten, wirken die einzelnen Stücke nicht zusammengewürfelt, sondern wie Kapitel einer Erzählung. Jedes schillert für sich, doch das Ganze ist mehr als die Summe seiner Teile.

Das gilt auch für das Trio selbst – erst recht auf der Bühne. Die beiden Musiker – Jacob Karlzon aus Schweden und Andreas Lang aus Dänemark – betten Lisa Bassenges unverwechselbare Stimme in einen warmen, im besten Sinn „skandinavischen“ Sound: entspannt, aber stets verbindlich; spielfreudig, dynamisch, energiegeladen, aber nie aufdringlich. »Dieser Sound hat uns gefunden«, sagt Lisa Bassenge. Mit den „Wildflowers“ im Gepäck zeigen die drei nun wieder, was für ein umwerfender Live-Act sie sind. Jazz, Pop, Chanson? Die Musik des Lisa Bassenge Trios braucht keine Schublade. Es geht ihr um die Schönheit und Wahrheit der Songs, und sie ist eine Feier der Inspiration zwischen Sängerin und Musikern. Lassen Sie sich berauschen.

Lisa Bassenge, Sängerin und Songschreiberin, musiziert aus Berlin heraus in die ganze Welt. Ihre Homebase ist der Jazz, doch sie ist in ganz unterschiedlichen Stilen und Genres unterwegs. Neben ihrer Solo-Karriere war sie die Frontfrau der Band Nylon und ist es nach wie vor bei Micatone.

Lisa Bassenge tourte bereits durch diverse Länder Europas und Asiens. Sie ließ ihre warme, unverkennbare Stimme mit der WDR- und der NDR-Bigband erklingen und hat bei ihren Aufnahmen mit Größen wie dem dem Drummer Vinnie Colaiuta (Frank Zappa, Barbra Streisand, Billy Joel), dem Produzenten Larry Klein (Joni Mitchell, Melody Gardot, Madeleine Peyroux) und dem Sänger Stuart Staples (Tindersticks) gearbeitet.

Das erkennt man auch anhand der vielfältigen Stücke, bei denen es sich um Eigenkompositionen der jeweiligen Bandmitglieder handelt. Von eingängigen Grooves, durch leidenschaftliche Soli, über raffiniertes Zusammenspiel bis hinzu kristallklaren, sphärischen oder gar melancholischen Klängen verspricht The Jakob Manz Project einen dynamischen Abend, den man so schnell nicht vergisst!

Ausgehend von ersten Konzerten 2017, vorwiegend im Großraum Stuttgart, erspielte sich die Band rasch mehrere erste Preise, darunter den Biberacher Jazzpreis 2018 und den Future Sounds der Leverkusener Jazztage 2018. Bandleader Jakob Manz war gerade 16 Jahre alt und tourte bereits mit dem Bundesjazzorchester (BuJazz0) durch Kanada, die USA und Osteuropa. Nach ihrem vielbeachteten Debut Album Natural Energy (ACT 2020) tourte die Band deutschlandweit, und trat bei einigen der größten Jazz Festivals Deutschlands auf, unter anderem den Leverkusener Jazztagen, ELBJAZZ und Jazz Baltica. Im Jahr 2023 folgten erste Konzerte auf internationalen Festivals, unter anderem in Schweden (Trollhättan Jazz & Blues) und Rumänien (ORA Jazz Festival).

Auf der kommenden Tour verknüpfen RAINER VON VIELEN diese neuen Klangwelten mit der ungestümen Energie ihrer legendären Live-Performances. Das Ergebnis: nachhaltige Zerstreuung, regenerative Euphorie und die globale Erwärmung des Weltfriedens – alles an einem Abend. Wer dabei ist, erlebt eine musikalische Umarmung, die aufrüttelt, befreit und lange nachhallt.

Ticket sichern, Kopf und Herz weit aufmachen – RAINER VON VIELEN live ist nicht einfach ein Konzert, sondern ein kollektiver Befreiungsschlag.

Mit MRA wollte Emel dekonstruieren, um alles wieder aufzubauen, um sich selbst zu stimulieren, „damit die Musik lebendig bleibt“, sagt sie. Mit MRA will Emel eine Bewegung von müden, aber unermüdlichen Frauen schaffen. Frauen, die singen, rappen, produzieren, auf Englisch, Arabisch oder Französisch schreiben, die aber alle die gleiche Sprache und den gleichen Kampf teilen. „Meine Verantwortung ist es, ihre Stimmen zu tragen, während ich meine eigene trage“, bekräftigt Emel.

Um der Gewalt in der Welt tanzend zu begegnen, ist Emel eine Frau von Welt: Araberin, Französin und jetzt Amerikanerin. Sie ist eine feministische Musikerin, die erkannt hat, dass sie den Frauen nicht genug Stimme gegeben hat, bevor sie sich mit ihnen umgab. Eine Frau mit Widersprüchen, die sich gezwungen sieht, nicht mehr das zu sein, was sie nicht ist.

Bereits als Schülerin im autokratischen Tunesien sang sie in einer Heavy Metal Band, später wurde sie wegen ihres Engagement für die tunesische Revolution zur prominenten musikalischen Stimme des arabischen Frühlings und der Jasmin Revolution. Die Reaktionen reichten vom Boykott durch lokale Radio- und TV-Stationen bis hin zu einer Einladung als musikalischer Gast zur Nobelpreis Verleihung. Nach ihrer Auswanderung erweiterte Mathlouthi in Paris ihren tunesischen Folk Stil zu einem hyper-zeitgenössischen Electronica Entwurf, wobei sie nichts von ihrer politischen Kompromisslosigkeit eingebüßt hat. Sie nennt Künstler wie Ben Frost oder James Blake als großen Einfluss und hat u.a. mit dem isländischen Produzenten und Komponisten Valgeir Sigurðsson zusammengearbeitet.

Da ist Dub, aber er hallt bis weit über die Genre-Grenzen hinaus. Da ist ein sommerlicher Hauch von Reggae, aber erfrischend anders als sonst. Es klingt extrem lässig, aber auch ganz wunderbar tanzbar. Es ist das, was JPATTERSSON als PROGADUB bezeichnet – denn er kommt schließlich nicht aus Jamaika, sondern aus dem Osten der deutschen Bundesrepublik. Inspiriert von schwergewichtigen Bässen, Fahrradfahrten und karibischen Riddims, von Schokolade, oldschooligen Groovebox Sounds und vom sorgenfreien Krawall auf der Straße spielender Kinder hat das junge Talent einen Stil kreiert, der in erster Linie vielfältig ist. JPATTERSON hat auf sein Bauchgefühl gehört und sein eigenes Genre definiert: PROGADUB.

Hüften wiegen auf rollenden Beats, Füße pulsieren im warmen Sand, die Fantasie taucht in dubbigen Tiefen nach schimmernden Synthesizer-Perlen. Willkommen in der Welt von JPATTERSSON. In dieser Welt sind Genre-Grenzen keine Hindernisse, sondern pure Freiheit: Angetrieben von hypnotischen Rhythmen, kraftvollen Basslines und melancholischen Harmonien hat JPATTERSSON einen unverkennbaren Stil geschaffen, der mutig und vielfältig ist.

Musikalisch inspiriert von Bands der britischen Invasion der 60er Jahre und Künstlern wie Tom Waits, Blur, Randy Newman und Queens Of The Stone Age und mit Texten, die von der amerikanischen Literatur des 20. Jahrhunderts, insbesondere der Beat Generation und dem Gonzo-Journalismus, beeinflusst sind, lassen sich Tankus nicht in eine Schublade stecken.

In Anlehnung an die unermüdlich tourenden Bands der späten 1960er Jahre fragen Tankus The Henge, was eine Band überhaupt ist. Sie ist live, sie ist originell, sie ist niemandem Rechenschaft schuldig. Für diese eine wilde Nacht voller Lichter, Sound und überwältigender Emotionen, um dann mit Reifenspuren im Staub in die Nacht zu rauschen. Mehr als 1.000 Auftritte sind absolviert, und es gibt keine Anzeichen dafür, dass sie langsamer werden.

Nach der Veröffentlichung von Luna Park! im Jahr 2020 (produziert von Gethin Pearson) beginnt die Band mit der Arbeit an Album #4 und wird ihre Arbeit in Zusammenarbeit mit visuellen Künstlern fortsetzen, um ihre einzigartige Welt des Geschichtenerzählens zu erweitern.

Besetzung: Jaz Delorean (voc, keys, trb); Jack Price (git); Joao Mello (sax, keys, voc); Russell Evans (trb); Dan Hipkin (b); Joao Taborda (dr)

Ihr aktuelles zweites Album Gift von 2024 kommt mit differenzierterem Songwriting daher, ohne auch nur im Ansatz weniger wütend zu klingen. Das Album ist zornig, politisch und nie um große Melodien verlegen. Auf „Gift“ verdichtet sich, was sich auf „Stress“ bereits angebahnt hat, und es ist ein eklektisches Album entstanden, irgendwo zwischen IDLES, PIXIES, PABST und MELVINS, das auf kühne Art und Weise den Sound alter Idole dekonstruiert und in zeitgemäßem Gewand wieder zusammensetzt.

Fuzz und Distortion sind omnipräsent, die Stücke strahlen eine gefährliche Angepisstheit aus und gehen obendrein auch noch total ins Ohr, so als ob X, Amyl, Hole, White Lung und L7 eine Coop-Platte aufgenommen hätten.

Mit ihrem hochgelobten, 2021 veröffentlichten Debüt Album „Stress“ (Noisolution) haben 24/7 DIVA HEAVEN eines unmissverständlich klargemacht: Sie sind gekommen, um zu bleiben. Oder um es mit den Worten des „Classic Rock“ Magazins zu sagen: "Auf Krawall gebürstet. Relevant. Großartig. Punkt."

Die Band ist nicht nur im Proberaum und auf der Bühne aktiv, sondern zeigt politisches Engagement, u.a. als Gründerinnen des Berliner Kollektivs GRRRL-NOISY, das Jam-Sessions und Festivals organisiert und einen Ort der Vernetzung für FLINTA Musiker:innen und Musikfans bietet.

Dumb Bats: Ihre Songs spiegeln die Liebe der Band zu schnellem Punkrock mit rotzigem Gitarrensound und pun- chy Rhythmsections kombiniert mit der ungebremsten Power der Rock’n’Roll-Energie. Dabei treffen eingängige Hooklines im Stil von The Interrupters auf die kompromisslose Bühnenpräsenz von The Baboon Show, während Alternative-Einflüsse à la Guano Apes und die rohe Garage-Attitüde von The Hellacopters für einen ganz eigenen Sound sorgen.

Phantastische Uniformen, skurrile Rituale, retrofuturistische Tänze – der Strippenzieher hinter dieser irren Pop-Inszenierung trägt Muskel-Shirt und Sonnenbrille – und hat ein verschmitztes Lächeln. Denn ganz so ernst nimmt sich Kadebostany, der selbsternannte Präsident der kleinen Republik Kadebostan nicht. Die sagenhafte Pop-Republik liegt nördlich von Italien, östlich der Schweiz und westlich von der Türkei, erklärt er. Kadebostany wird von den verschiedensten Talenten bevölkert, von Sängerinnen und Sängern, von Instrumentalsten und Visual Artists. Aber alle Fäden laufen in dem musikalischen Superhirn zusammen: Kadesbostany komponiert die Songs, er produziert sie und er entwickelt das visuelle Konzept und die spektakulären Liveshows. Kadebostany trat bei einer Vielzahl von Festivals auf und gab ausverkaufte Konzerte in fast allen großen, europäischen Städten.

Unter der Flagge der konzeptuellen Republik Kadebostany hat Kadebostany mit seiner einzigartigen Marke von Popmusik, seiner unverwechselbaren visuellen Identität und seinen kolossalen Live-Auftritten schnell Aufmerksamkeit erregt. Die Songs von Kadebostany haben mehr als eine Milliarde Aufrufe auf YouTube erreicht, die Charts in mehr als 30 Ländern angeführt, mehr als 700 Live-Auftritte in mehr als 25 Ländern in den letzten Jahren absolviert und wurden von der internationalen Presse wie Vice, GQ, Spin, American Songwriter, CNN, Rolling Stone, Vogue, MixMag, EDM.com, Run The Trap, Time Out, Marie Claire... gefeiert.

Kadebostany ist mit zahlreichen Charterfolgen wie „Castle in the Snow“, „Mind if I Stay“, „Early Morning Dreams“, „Walking with a Ghost“, „Save Me“, der neuen Version von Beyoncés „Crazy in Love“ (50 Shades of Grey) oder zuletzt „Wild in Secret“ durch die Decke gegangen.

Beim Konzert der Groove Factory stehen folgende Bands der Musikschule Reutlingen auf der Bühne: Da sind die Backyard Chords, ein Quartett, dass sich dem gefühlvollen Akustikpop verschrieben hat, ebenso Wired Purple. Bei Foxy Brown und den Melikas stehen die Sängerinnen und mehrstimmige Vocal-Arrangements im Vordergrund. Mit Songs von Metallica, Deep Purple und Chili Peppers treten Blazing Beatz auf und bei der jüngsten Band Rock Machines ist der Name Programm. Eine jazzy-funky Setlist mit Songs von Inkognito und Snarky Puppy bringt Funktasy mit. – Die Nachwuchsbands der Musikschule Reutlingen sorgen für Groove und gute Stimmung!

Mit der musikalisch szenischen Geschichte, die in der Zukunft spielt, nimmt der Chor das Publikum mit auf eine Zeitreise. Eine seltsam anmutende, illustre Gruppe unterschiedlicher Charaktere trifft sich, um 300 Jahre Weltuntergang zu feiern. Dabei schauen sie zurück auf die Vergangenheit, auf Rettungsversuche und Versäumnisse. Sie erinnern sich, wie schön es als Mensch war und was sie verloren haben. Sie erzählen von den Katastrophen und fragen sich, ob es Alternativen gegeben hätte.

Die kurzen Szenen sind umrahmt und eng verzahnt mit starker chorischer Musik, die das Publikum tief mit hineinzieht in die existenzielle Frage unserer Gegenwart: Schaffen wir die Rettung unseres Klimas für uns und unserer Erde?

Musikalische Leitung: Johannes Söllner

Yann Honoré – One man Celtic orchestra
Der bretonische Multiinstrumentalist Yann Honoré spielt Whistles, Cello, E-Bass, E-Gitarre und Percussion. Er ist ein Meister der Loops. Yann spielt ein Riff, nimmt dieses auf und lässt es in einer Wiederholungsschleife laufen. Dann setzt er weitere Riffs dazu, bis er eine pulsierende und vielschichtige Klanglandschaft aus Loops geschaffen hat. Last but not least wählt er ein Instrument aus, mit dem er sich als Solist an die Spitze dieses orchestralen Klanges begibt und seine Virtuosität ausspielt.
Seine Kompositionen sind sowohl in der bretonischen, irischen aber auch nordafrikanischen traditionellen Musik verwurzelt. Yann hat sich in seiner gut vierzigjährigen Laufbahn in der Bretagne viel Respekt erspielt. So war er unter anderem Gitarrist und Bassist der Celtic Rock Band Glaz, dann Produzent der charismatischen Sängerin Gwennyn und ist auch aktuell Mitglied der traditionellen Band Buzz Buddies. Er wird Eigenkompositionen seines wunderbaren Albums „Autoportrait“ spielen und die Zuschauer als ein „One man Celtic orchestra“ verzaubern.

Eva Coyle & Band – a musical secret from the Emerald Isle
Die Singer-Songwriterin Eva Coyle aus Athlone besitzt eine Stimme von außergewöhnlichem Timbre – sanft, doch kraftvoll, berührend und zugleich erfrischend. Wie der ­Morgentau, der sich auf herbstliche Blätter legt und das Licht der aufgehenden Sonne einfängt, kühlt und belebt ihr Gesang die Sinne. Wenn sie ihre Texte ins Mikrofon haucht – eine kunstvolle Balance zwischen Realität und Fiktion – entfaltet sich eine Magie, die das Publikum in ihren Bann zieht.
Besonders eindrucksvoll ist ihr Spiel am Keyboard, mit dem sie ihre Stimme meisterhaft begleitet. Doch sie ist auch eine Akkordeonistin, die bei den Instrumentals so richtig in die Tasten greift. Doch Eva blickt musikalisch über Irlands Grenzen hinaus: Ihre Vorliebe für die skandinavische Folktradition verleiht manchen Arrangements eine nordische Erdigkeit, die ihre Musik noch facettenreicher macht. Ein Sound, den man nicht mehr loslassen will. Ein Sound der einen nicht loslässt.
Ihr Quartett kreiert einen Klang, der sich anfühlt wie eine wohlige Wärmflasche an kalten Wintertagen – ein Sound, den man an sich drückt und nicht mehr hergeben mag. Stilistisch eher „folky“ als streng traditionell, doch unverkennbar irisch durch den Einsatz von Fiddle und Akkordeon. Gleichzeitig bringt die Band mit einem Drummer ordentlich Druck auf die Bühne, sodass sich der folkige Sound tanzbar und poppig entfaltet. Nach ihrer EP „Feels like Rain“ (2018) begeisterte das Album „Down to the Shore“ (2022) Publikum und Kritiker gleichermaßen. Mark Redcliff von BBC Sounds schwärmte: „I adore Eva’s sound and look forward to hear more.“
Die Musiker – Meister ihres Fachs
Zum unverwechselbaren Klang der Band tragen vier herausragende Musiker bei:
Sean O’Dalaigh (Fiddle, Gesang) – Er verleiht den Songs orchestrale Tiefe, setzt markante Harmony Vocals und entfacht mit energiegeladenen Jigs & Reels pure Lebensfreude. Bei diesen zeigt Eva ihre Virtuosität am Akkordeon.
John Shanagher (Gitarre) – Sein Gitarrenspiel wirkt wie ein sanftes, luftiges Kissen, auf dem sich jede Stimme perfekt entfalten kann. Mit seiner Begleitung klingt alles entspannt und mühelos.

Stephen Shanly (Drums) – Ein Schlagzeuger mit Feingefühl und Wucht zugleich. Mit subtilen Impulsen und treibenden Grooves gibt er dem Sound der Band eine packende Dynamik.
Ein Geheimtipp, den man nicht verpassen sollte! Eva Coyle und ihre Band gehören zu den bestgehüteten Geheimnissen der Grünen Insel – noch. Wer sie einmal gehört hat, wird sie nicht vergessen.

Billow Wood – Old Ireland meets new Ireland

Man muss die Vergangenheit gut kennen um die Gegenwart zu verstehen und die Zukunft deuten zu können. Die fünf aus der nordwestlichen Grafschaft Mayo sind musikalische Wünschelrutengänger, die all diese Strömungen unter der kulturellen Oberfläche der grünen Insel ertasten und ans Tageslicht bringen. Ihre Musik ist sowohl modern, hip als auch respektvoll in der irischen Tradition verwurzelt. Seit über einem Jahrzehnt sind sie auf Tour bzw. Mission: Old Ireland meets new Ireland.
Sie schreiben den überwiegenden Teil ihrer Songs selbst, aber sie interpretieren diese auf traditionellen Instrumenten wie Harfe, Fiddle, Tin Whistle, Bodhrán, Akkordeon. Aber auch Schlagzeug und Gitarre. So haben neue musikalische Ideen trotzdem eine Anbindung an den Sound, den man vom Irish Folk her kennt. Aber auch die Inhalte der Lieder sind am Irland von heute orientiert und an dem, was junge Iren aktuell umtreibt. Das absolute Markenzeichen der „WOODIES“ – wie sie liebevoll ihre Fans nennen –, ist der überragende mehrstimmige Gesang.
Eine rein traditionelle Irish Folk Band wird leider dank unseren verkrusteten Medienlandschaft nie einen Hit haben, aber Singer/Songwriter vom Kaliber wie BILLOW WOOD können es mit ihrem teils poppigen, teils Indie-Unterton schaffen. Bereits über ihre Debüt-EP schwärmte das renommierte HotPress Magazin, das z.B. U2 vor vielen Jahren entdeckte: _„A rising act you should keep an eye and ear on.“
_In Irland sind die „WOODIES“ Jahr für Jahr gern gesehene Gäste beim größten irischen Festival – dem Electric Picknick mit gut 160.000 Besuchern. Das können wir Ihnen in Deutschland zwar nicht bieten, aber die Fans des Irish Heartbeat werden die „Woodies“ feiern, die eine ganz besondere St. Patrick’s Day Stimmung in die Säle zaubern.

Man könnte meinen, er habe schon alles erreicht. Mit seinen über Jahrzehnte gesammelten Früchten aus der Musiklandschaft könnte Thomas D es sich doch durchaus auf einem Gartensessel in der heimischen Vulkaneifel bequem machen und den verdienten Rapper-Ruhestand genießen. Mit Die Fantastischen Vier gewann der Musiker zahlreiche Preise, landete mehrfach ganz oben in den Charts, blickt auf ausverkaufte Stadientourneen zurück und lieh zur Krönung sogar schon mal dem Pinguin aus Madagaskar seine Stimme. Was zum Henker will der Mann mehr?

Vielleicht saß er ja bereits im Gartensessel, an einem dieser schönen Sommertage im Jahr 2019. Es heißt, ihm sei in jenem Sommer durch einen großen Zufall die Platte der Hamburger Band The KBCS in die Hände gefallen. Nachdem er zunächst etwas stutzig ob der gesanglosen Performance feststellte, dass es sich hierbei um ein Instrumentalwerk handelte, war es um ihn geschehen. Er ließ sich vom warmen Vintage-Sound der Band in den Bann ziehen und war sich sicher, dass die trockenen Drums, erdigen Basslines, spacigen Keyboard Sounds und filigran eingesetzten Gitarren ein neuer Wegbegleiter werden könnten. Flugs wird Kontakt aufgenommen und es entsteht ein gemeinsames Projekt: Thomas D Werke in KBCS-Gewand. Der instrumentale Klang harmoniert perfekt mit den zeitlosen Thomas-D-Texten, ein neues Kapitel beginnt. Die daraus resultierenden „M.A.R.S. Sessions“ widmen sich elf Titeln aus dem üppigen Songschatz des Musikers und kitzeln in einer kunstvoll arrangierten Fusion von grandios gespielten Instrumenten und Sprechgesang ganz neue Facetten heraus.

„In einer Zeit, wo Auto-Tune und Trap Beats die Popwelt dominieren, ist diese Rückbesinnung zum Menschlichen ein Segen für Hörer:innen. Eine musikalische Wellness-Behandlung mit Waldtannenöl.“ ist in der Tour-Ankündigung zu lesen.

Über 350 Liveshows später weiß jede:r, der:die sie erlebt hat: Das hier ist kein einfaches Konzert, sondern eine explosive Show. Von fetten Bläser-Hooks über epische Kostüme bis zu visuellen Eskapaden – APES O’CLOCK verwandeln jede Bühne in ihr eigenes Universum.

2024 stand voll im Zeichen von Album Nummer zwei: Neues Team, neue Show, neue Vision – und die ist lauter, bunter und frecher denn je. Denn für APES O’CLOCK gibt es keine halben Sachen: Sound, Story, Visuals und Performance verschmelzen zu diesem verrückten, schillernden Kosmos, in dem man komplett abtaucht.

Egal ob Gitarre, Klavier oder elektronische Samples - wer am Ende die Trophäe mit nach Hause nimmt, entscheidet einzig das Publikum. Moderiert wird diese Ausgabe von Poesie & Pommes Spezial von Jochen Weeber.

Lust, mit eigenen Liedern dabei zu sein?

Anfragen an: Diese E-Mail-Adresse ist vor Spambots geschützt! Zur Anzeige muss JavaScript eingeschaltet sein.

Sebastian Kiefer, musikalischer Tausendsassa an mindestens einem Dutzend Instrumenten, Komponist, Texter, Sänger, Tonstudiobetreiber und Kinderbuchautor, ruft Rong Kong Koma im Oktober 2017 auf den Plan. Er findet Mitstreiter in alten Freunden aus der Kreuzberger und Neuköllner Punkszene. Im Gegensatz zu seinen vorherigen Bands „Diving for Sunken Treasure“ oder „Huck Blues“ sind die Texte zum ersten Mal auf deutsch. Mit Nils Bucher als Bassist findet sich sowohl ein Bruder im Geiste, als auch ein Komplize der Neuausrichtung. Er ist Dokumentarfilmer aus Stockholm, selbst Songwriter und Multiinstrumentalist. Außerdem an Bord ist Mike Heide, Band- und Tourerfahrener Vollzeit-Drummer. Er trägt neue Töne und ein hartes, rauhes Drumming in die Songs. Gemeinsames Musik machen ist die Kernvision der so neu entstandenen Band. Intensive Probephasen, mehrere Besetzungswechsel, Norming, Storming und schließlich: Performing. Die neue Band spielte bereits deutschlandweit in Clubs, noch bevor überhaupt der endgültige Name gefunden war.

Das erste Album „Lebe Dein Traum“ erschien im März 2020, produziert von Sebastian Kiefer. Es wurde trotz hereinbrechender Coronakrise, ausfallenden Gigs und landesweiter kreativer Stagnation, von der Presse und den Fans einstimmig gut aufgenommen. Linus Volkmann sieht „eine düstere, wie hochästhetische Platte“, das OX befindet: „Wunderbarer Sound, der überall funktioniert“. In der 3Sat Kulturzeit wird das Video zum Song „Scheiß Berliner“ ausgestrahlt und löst, wie nebenbei, eine Debatte darüber aus, inwieweit lokaler Patriotismus in einer linken Szene überhaupt stattfindet und wenn ja, warum eigentlich.

Das zweite Album „Delfine der Weide“ erscheint im Oktober 2022 auf Rookie Records, ebenfalls von von Sebastian Kiefer produziert. Nach zwei Jahren Konzertflaute, Einsamkeit, Abstandsregeln und Krieg, ist ein vielschichtiges und tiefgründiges Album entstanden. Voller Leid und Wahnsinn. Liebe und Hass. Einsamkeit und Verlangen. Schaffen und Prokrastination und Depression und Glück.

Von allem ein bisschen mehr: Härter, poppiger, punkiger, schneller, langsamer, melodiöser und direkter. Die nächste Evolutionsstufe der Band.

Dieses Mal wieder mit einem Special Guest: Klaus Bleis. Der Steptänzer und Schlagzeuger Klaus Bleis hat sich in seiner nunmehr 25jährigen Karriere sowohl in Deutschland als auch international – mit Auftritten u.a. in New York, Los Angeles, Moskau und Paris, einen Namen gemacht.

Angeführt vom renommierten Saxophonisten Magnus Mehl, liefert die Big Band nicht nur kompakten Sound, sondern begleitet auch den weit über Reutlingen hinaus bekannten Sänger Mailo mit kraftvoller Präzision.

Als musikalisches Archiv kollektiver Erfahrungen umfasst das 2025er Album Yarın Yoksa Eigenkompositionen und featured drei traditionelle anatolische Volkslieder. Derya Yıldırım gibt ihre Stimme dem kulturellen Erbe ihrer Familie, einem Volksliedgut, das im Gestern schon da war und das es lange noch geben wird. Behutsam und respektvoll überträgt sie die Lieder in die Gegenwart, färbt sie psychedelisch ein und unterlegt sie mit hypnotischem Gesang. So wird dem Vorhandenen etwas Neues hinzugefügt, das die Erfahrungen von Generationen enthält, auch die der heutigen Gesellschaft.

Das Album von Derya Yıldırım & Grup Şimşek fängt diese Seele ein und gibt ihrer Poesie und ihrer Widerständigkeit einen Raum – beides zentrale Themen in der anatolischen Musiktradition: „Einige dieser Gedichte wurden vor Hunderten von Jahren geschrieben, aber sie sind immer noch aktuell. Diese Musik ist wichtig, weil sie nach wie vor die Stimme des Volkes, der Minderheit und der Unterdrückten ist“. Nachdem sie mehrere Alben selbst produziert hatten, haben sie 2024 beim New Yorker Label Big Crown Records unterschrieben und für Yarın Yoksa mit dem Grammy-prämierten Produzenten Leon Michels (El Michels Affair) zusammengearbeitet. Die Aufnahmen sind eine Balance zwischen Bewahrung und Innovation und sie vermitteln eine Ahnung davon, was wäre, wenn es kein Morgen gäbe – „Yarın Yoksa“. Wenn wir besser wüssten, was wirklich zählt.

The thread that binds CRIPPLED BLACK PHOENIX’s bold and towering discography — a dozen studio albums, a half-dozen mini-albums, a handful of compilations and swaths of bootlegs — could not be more apropos circa 2022. Since its 2004 creation by multi-instrumentalist and songwriter Justin Greaves, CRIPPLED BLACK PHOENIX has served as the voice for the voiceless, whether it be animals, the unequal and the different. Greaves and longstanding vocalist and lyricist Belinda Kordic have often proffered that these beings cannot fend for themselves. Henceforth, CRIPPLED BLACK PHOENIX’s mission has been to shed light on the human condition and the inequalities that befall humankind and its creatures. Their battle marches on with their latest studio album, Banefyre. Banefyre follows 2020’s Ellengæst — an effort that found CRIPPLED BLACK PHOENIX employ a series of notable guest vocalists alongside Kordic, prompting Metal Hammer to describe it as their “most cohesive and emotionally devastating record.” Kordic is now paired with Swedish vocalist Joel Segerstedt, who made his CRIPPLED BLACK PHOENIX debut last year via the “Painful Reminder/Dead is Dead” single. Piano, synth and trumpet player Helen Stanley and additional guitarist Andy Taylor complete the lineup. Greaves says Stanley and Taylor “fit so well creatively,” which has made CRIPPLED BLACK PHOENIX feel like a band when making plans and decisions. Also central to this is Segerstedt. According to Kordic, the vocalist and lyricist lives a mere five minutes from her in Sweden and has quickly integrated himself into the band. “What I like about Joel is that he’s a good person,” she says. “There’s no fakeness with him; he has cajones. He’s not a bitch- talker, either. I can’t handle people who don’t have a backbone, but Joel is real and can speak his mind.” “I like how Joel has come in and spoke for himself,” adds Greaves. “He’s in the band for the right reasons. I see him the same way as Belinda — she took an interest in the whole artistic thing behind CRIPPLED BLACK PHOENIX, like the vocals, lyrics, artwork and aesthetic. It’s the same with Joel. He has taken an interest in all of those things. In the past, we had people who didn’t contribute artistically and only cared about what they got out of the band. But Joel is really proactive and takes the initiative.” Greaves assembled 13 songs (including “No Regrets,” a bonus track for his new project with Kordic, Johnny the Boy) imbued with the depth and introspection that will reinforce CRIPPLED BLACK PHOENIX’s standing as a band that defies genre. The album was tracked at Chapel Studios in South Thoresby, Lincolnshire, with vocals cut at Monolith Studio and Kapsylen Studio in Stockholm, Sweden. Kurt Ballou handled mixing in GodCity Studios in Salem, Massachusetts — a pivotal move in determining the album’s overall sound. “I love the album so much because it was a different approach with the production,” says Greaves. “For my part, it was a little bit of a reaction. I didn’t want to do the same warm, safe CRIPPLED BLACK PHOENIX album. I’m aware that when we did [2012’s] I, Vigilante, everyone wanted I, Vigilante again. As it so often happens with this band, people complain about the next one, then growinto it. Ellengæst is like I, Vigilante. It’s a shorter album. It hit the mark and was done really well, but everyone will expect another Ellengæst. I feared that, but I care enough not to make another Ellengæst. It’s the right thing to do. That’s why we got Kurt to mix it — we wanted that analog, raw power. Even though the album has mellow moments, those are edgy as well. We just didn’t want to do the same album twice. We’re never going to be a band that people can rely on.” Greaves’ summation of his band notwithstanding, his distinctive guitar playing and enduring knack for immersive songwriting is the propellent behind the haunting, chant-laden “Ghostland,” pensive “The Reckoning” and forlorn “Everything is Beautiful but Us,” the band’s spot-on analysis of the retreat of humankind indoors during the pandemic that revealed nature’s priceless beauty. The album is also stocked with no less than four ten-minute-plus cuts (“Rose of Jericho,” “Down the Rabbit Hole,” “I’m Okay, Just Not Alright” and “The Scene is a False Prophet”) that are intermixed with drama and melancholy. It all ties into Banefyre’s central theme of the persecution of people who are deemed “different” by society. The album title is a play on the song “Bonefire” that Kordic named and wrote lyrics for. In classic CRIPPLED BLACK PHOENIX fashion, Greaves turned it into the Olde English translation to represent the bonfires that engulfed witches and politicians through the 15th and 18th centuries, hence, the name Banefyre. The album begins with “Incantation for the Different,” which was written and orated by Chicago- based witch, artist, author and occultist Shane Bugbee, who, according to Greaves, “brought us some positive, dark energy.” Banefyre then delves into the Salem Witch Trials (“Wyches and Basterdz”), fox hunting in Great Britain (“The Reckoning”), politicians of an unscrupulous and dishonest kind (“Bonefire”) and the New York City Blackout of 1977 (“Blackout77”). Greaves says Banefyre’s topics may have a decidedly negative and pessimistic tone, but a glimmer of hope and joy remains. “There’s always the random bits, but overall, Banefyre is about the people who have suffered because they are different. The album covers inequality and oppression, like ‘Incantation for the Different,’ which is about overcoming when you’re put down because you’re not like everyone else.” In true CRIPPLED BLACK PHOENIX fashion, the Lucy Marshall-created Banefyre cover leaves plenty to the imagination, depicting four animals seated at a table — interacting and dressed like human beings. “It’s sort of like Planet of the Apes showing what animals could do to humans,” says Greaves. “The cover was specially commissioned and is unique to the album. It’s incorporating all the classic CRIPPLED BLACK PHOENIX elements with the love for animals and twisting the narrative around.” CRIPPLED BLACK PHOENIX’s reputation was built on the back of their studio albums and live shows. The pandemic prevented the band from supporting Ellengæst, but it did provide them additional time to bring in new members to their live configuration. “We’ve done one show since 2019,” says Greaves. “We are going to do something in Europe this year. Hopefully, we can get back on track. We’re also going to do something in the States — that’s not just talk, we’re actually going to do it. It’s well overdue. The live band is fucking amazing. We have the five of us and now we have Jordi [Farré] on drums, Paco [Fleischfresser] on synth and a really good friend of mine, Matt Crawford on bass. “We did the Leipzig show and even though the rehearsals were better than the show itself, that lineup, our live band, is so good. Because we haven’t been under pressure to put a live band together since 2019 and spent so long talking to people, we’ve got a better band from those results. Out of disaster, we’ve got quite a good, positive thing.”

Die 5 Jungs aus Reutlingen treiben das Publikum mit ihrem energiegeladenen Sound an, immer cool, immer tanzbar und oft mit einem Augenzwinkern und einer guten Portion Ironie. Das Vorgängeralbum „JUST DANCE LIKE NOBODY'S WATCHING“ schaffte es 2017 bei Amazon auf Platz 1 der Aufsteiger des Tages und bescherte der Band zahlreiche Air- und Videoplays.
Im Juni 2017 gewann die Band den Live-Contest „Fürstenberg Lokal Derby“. WALTER SUBJECT setzte sich gegen 100 der besten Live- ands des wilden Südens durch und spielte daraufhin beim legendären Zelt-Musik-Festival in Freiburg.

Lights of Orion verbinden die Magie der 80er-Jahre mit dem unverwechselbaren Sound des Independent. Die vier Musiker, die bereits auf 25 Jahre Bühnenerfahrung zurückblicken, präsentieren ein neues Kapitel ihrer Bandgeschichte: Mit neuem Namen (ehemals "Bambus Orion"), neuem Programm und ihrem charakteristischen Sound schlagen sie die Brücke zwischen Nostalgie und Gegenwart. Bekannte Klassiker erhalten durch ihre individuelle Handschrift ein zeitgemäßes Gewand – mal kraftvoll und treibend, mal atmosphärisch und kantig. Abseits des Mainstreams entstehen so Songs, die gleichermaßen mitreißend, tanz- und mitgröhlbar sind.

Lights of Orion schaffen es, das Lebensgefühl einer ganzen Generation einzufangen und in die Gegenwart zu transportieren – garniert mit einem Augenzwinkern und jeder Menge Nostalgie.

DJ Mike Ryser hatte bereits beim letzten Walter WHO? Rumble die tanzwütige Meute fest im Griff. Der DJ, den viele noch von den legendären Alternative-Partys in der Färberei, dem Sudhaus und vom Zentrum Zoo Tübingen kennen, wird auch dieses Jahr wieder die Plattenteller zum glühen bringen.

Our Roots Run Deep von 2023 war das erste Statement einer neuen Trilogie von Dominique und folgt auf ihre preisgekrönte Trilogie Nameless, Stay Tuned! und Three Little Words. In dieser neuen Trilogie blickt Dominique nach innen und reflektiert über ihre eigene emotionale und spirituelle Landschaft – ihre Wurzeln. Während ihre letzte Trilogie die Geschichte der afroamerikanischen Musik zum Thema hatte, ist der Ansatz für das neue Album persönlicher.

Über die Entstehung von Our Roots Run Deep sagt Dominique: „Während das Ziel die Suche nach einer universellen Verbindung durch musikalische Frequenzen bleibt, brachte mich diese innere Reise schnell zur Bedeutung meiner Wurzeln. Sie entfachte den Wunsch, unsere generationenübergreifenden Schätze zu beleuchten, anstatt das Trauma zwischen den Generationen zu behandeln und diese Schätze zu nutzen, um das Trauma zu heilen. Indem ich offener und verletzlicher bin, hoffe ich, mit gutem Beispiel voranzugehen und dazu beizutragen, Tabus im Zusammenhang mit psychischer Gesundheit abzubauen, Tabus, die auch heute noch sehr präsent sind, insbesondere in BIPoC-Gemeinschaften.“

Bees Made Honey in the Vein Tree sind eine Post-Doom Band aus Stuttgart. Seit sie sich 2014 gründeten sind die Kontraste zwischen hell und dunkel, laut und leise, schnell und langsam untrennbarer Teil ihrer Musik geworden. Die Kompositionen vereinen brachiale Doom Riffs mit sphärischen Post-und Psychedelic Rock mit Ausflügen in Shoegaze. Darüber wird stark verhallter Gesang gelegt, der die Rolle eines weiteren Instruments einnimmt und der Musik Weite und Ästhetik verleiht, sowie durch die metaphorischen Texte eine visuelle Ebene schafft.
Ihr 2017 auf Pink Tank Records erschienenes Debütalbum Medicine vereint mehrere Genres miteinander und liefert dadurch ein abwechslungsreiches Hörerlebnis, welches einer Reise durch die verschiedenen Spielarten des Psychedelic Rocks gleicht. Zwei Jahre später waren die vier Stuttgarter mit ihrem zweiten Album Grandmother (Pink Tank Records) auf Tour, welches mit deutlich härterem Klang, schnelleren Passagen und tiefergestimmten Gitarren überzeugt, aber durch gleichzeitige effektbeladene Gitarren-Soli Räume schafft, in die es sich einzutauchen und verlieren lohnt. Mit "Aion" - das im August 2023 auf Magnetic Eye Records erschien - streben die Bees einen expansiveren und vielfältigeren Sound an, der Elemente von Ambient und Field Recording einbezieht, während sie dem Gesang eine prominentere Rolle als auf den vorherigen Alben einräumen.

Auf die Frage „Wer spricht hier?“ müsste man antworten: Hier spricht das talentierte, kreative Berlin im Alter zwischen 28 und 34, was sich, wie in jeder neuen Lebensphase, konfrontiert sieht mit der Frage, welche verdammten Weichen es einem solch fluide Leben überhaupt stellen soll. Wie geht die angebliche „Rush Hour des Lebens“ als von einer Pandemie teilweise übel ausgebremster, umtriebiger Musiker?

Dieses Album ist Zeuge der Lücken der Zwecksoptimierung und beweist, dass es anarchische Gedanken und Gefühle im Leben auszuhalten gibt, bei denen auch keine Instagram-Parole hilft.

Lieber stellen Odd Couple uns jede Menge Fragen. Zwischen der Frage, ob man Vater werden soll, und dem plötzlichen Verlust des eigenen. Zwischen der Sehnsucht nach etwas Bleibendem und der Erkenntnis, dass die Jahre – diese Rush-Hour – wie im Fluge vergehen, ohne dass man vielleicht jemals ankommt. Odd Couple entblößen hier auch ihre Verletzlichkeit. Sie singen von Berlin, dieser Stadt, die alles sein kann und doch oft nichts ist – außer ein Ort, an dem man tapfer seine Freiheit aushält und nicht wissen kann, ob es nun der Ort für immer ist oder am Ende eine Phase sein wird.

Vier Jahre haben die Ideen für dieses Album herumgegeistert, in den Köpfen der beiden Musiker, durch ihre Festplatten und schließlich quer durchs Land, wurden hin und her geschickt, zwischen Berlin und Köln. Ein Flickenteppich aus Fragmenten, aus dem Tammo und Jascha wie wahre Alchemisten ein großes Ganzes zusammengesetzt haben. Aber nicht im Sinne einer glatten Produktion, sondern in der Aufrichtigkeit eines Demo-Albums, das die Intimität eines heimischen Studios atmet. Es gibt keine Hochglanzfassade, keine aufpolierte Perfektion – und das ist Absicht.

Überhaupt sind es glänzende Gedanken, die Odd Couple hier mit uns teilen. Ich meine, wer kommt auf Titel wie „Häuser sind blöd“? Starke Garage-Rock Gebilde treten hier den Beweis an, dass externe Produzenten heutzutage froh sein können, wenn sie von Bands wie Odd Couple und ähnlichem Kaliber überhaupt noch angefragt werden. Die musikalische Landschaft dieses Albums ist fragmentiert, wie das Leben selbst. Hier wird nichts geglättet, hier wird nichts zurechtgebogen – und das beflügelt beim Hören ungemein. Es ist ein Füllhorn aus unbändigem Spaß am Produzieren und vielleicht irgendwo aus dem Äther gefallenen Texten, die beinahe magisch einen Sinn ergeben, dass es die Band manchmal selbst überrascht hat.

Die Produktion ist verspielt, muskulär und spektral. Die Drumspuren wurden mit zwei Mikrofonen aufgenommen, die Gesangsspuren teilweise direkt vor dem Rechner eingesungen. Olaf Opal, der alte Freund und Produzent, brachte seine Magie diesmal untypisch dezent in die Produktion, ohne den Kern der Unmittelbarkeit zu ersticken. Manche Dinge sind einfach nicht tot zu kriegen. Die Liebe zum Basteln, die großen Fragen ans Leben wie „Bin ich hier richtig?“ oder die Leidenschaft für Rockmusik bleiben durch Alben wie dieses ein Refrain der Menschheit, ein Kehrvers, den wir immer wieder mit neuen Stimmen wiederholen können und dem wir in Odd Couples Fall betört zuhören. Diese Platte erdet, erregt und beflügelt. Wenn man Glück hat schlägt ein Herz in einem Album - in diesem hier schlagen gleich zwei.

Zu ihrem 40-jährigen Jubiläum gehen die sechs Musikerinnen und Musiker von 2025 bis 2027 auf weltweite Tournee, die sie neben USA und Kanada vor allem nach Europa führen wird, denn schließlich nahm die Geschichte der Band in den 80er Jahren hier ihren Lauf. Nebenbei produzieren die Klezmatics ihr ambitioniertestes Studioprojekt „The New York Sessions“, ein Album als Hommage an den kulturellen Schmelztiegel New York. Das Album enthält neu interpretierte Hymnen, kraftvolle neue Eigenkompositionen und mehrsprachige Kompositionen, die Jiddisch mit Uigurisch, Kurdisch, Arabisch, Armenisch, Ukrainisch und weiteren Sprachen zusammen führen. Neben diesem Album ist auch die Wiederveröffentlichung von einigen ihrer relevantesten CDs geplant. The Klezmatics haben im Verlauf ihrer spannenden Bandgeschichte viele musikalische Kooperationen realisiert, und werden auf ihrer Jubiläums-Welttournee die ein oder andere Überraschung auf der Bühne herbeizaubern. Jede Show wird mit bekannten und neuen Songs zu einer ekstatischen Würdigung des umfangreichen Schaffens der Klezmatics und steht für eine frohe Zukunft der Klezmermusik!

The Klezmatics sind die einzige Klezmer-Band, die jemals einen Grammy-Award gewonnen hat. Den gab es im Jahr 2007 in der Kategorie „Best Contemporary World Music Album“ für ihr herausragendes Projekt „Wonder Wheel: Lyrics by Woody Guthrie“, bei dem sie sich mit den gesellschaftskritischen Texten von Woody Guthrie auseinandersetzten. Heraus kam ein Album und ein bis heute weltweit immer wieder aufgeführtes und gefeiertes Konzertprogramm. Die Band hat insgesamt 13 erfolgreiche Alben veröffentlicht, sind an die Spitze der Billboard World Music Charts gelangt und haben zahlreiche internationale Auszeichnungen erhalten, darunter den deutschen Kritikerpreis oder den New York Jewish Music Award. The Klezmatics sind in über 20 Ländern und an den renommiertesten Konzerthäusern und Festivals der Welt aufgetreten, von der Carnegie Hall über europäische Kathedralen bis hin zu großen Rockfestivals. Die Musik der Klezmatics ist regelmäßig Teil von Filmen, TV-Produktionen, Theaterstücken und Performances. So waren ihre Songs z.B. bei der Late-Night-Show mit David Letterman oder in HBOs 'Sex and the City' zu hören. The Klezmatics haben mit einer großen Bandbreite von Künstlern zusammengearbeitet, darunter mit dem Violinisten Itzhak Perlman, dem israelischen Star Chava Alberstein, dem Gospelsänger Joshua Nelson, Arlo Guthrie, dem Dichter Allen Ginsberg, Theodore Bikel und vielen mehr.

Kooperationspartner:
yidishland - Musik & Kultur Organisation e.V. & yidish-festival - SPRACHE · KULTUR · KLEZMER · MUSIK.
dai - Das Deutsch-Amerikanische Institut Tübingen stärkt die transatlantische Verständigung zwischen Deutschland und den USA – offen, demokratisch und bürgernah.

Nachdem er mehrere Jahre in Berlin gelebt hatte, kehrte Federico Albanese mit seiner Familie im Herbst 2022 in seine Heimat zurück – in eine malerische Landschaft und mit der Empfindung, wie er sagt, „tief mit diesem Ort verbunden zu sein“. Dies erwies sich auf vielerlei Weise als inspirierend. „Es ist ein Gefühl der Freiheit, das mit der Rückkehr einhergeht und in alles einfließt, was man tut – auch in die Musik.“ Seine Kompositionen spiegeln die tiefe, natürliche Schönheit seiner Umgebung wider – die Farben, die Tierwelt, den Wechsel der Jahreszeiten, aber auch die reiche Geschichte und die vielen Mythen und Legenden, die über Jahrtausende hinweg von Generation zu Generation weitergegeben wurden. „Dieser Ort atmet Geschichte“, fügt er hinzu. „Es ist sehr romantisch in diesem Sinne.“

Während seine früheren Alben sich oft um Erinnerungen, innere Welten und imaginäre Landschaften drehten, schöpft Blackbirds and the Sun of October aus der konkreten, physischen Welt um ihn herum – aus der Geschichte, der Natur und der Schönheit. „Ich spüre die Freiheit in dieser Musik“, sagt er, „und es steckt mehr Positivität darin. Ich merke, dass etwas anders ist als zuvor.“ Diese Freiheit – und die Reflexion über das Erbe und die Geschichte – führt auch dazu, dass er verschiedenste musikalische Einflüsse nutzt und klassische Musik mit modernen Klängen verschmilzt. Herausgefordert, neue Richtungen und Ideen in seiner Musik zu erkunden, umfasst Blackbirds and the Sun of October Kompositionen, die zeitlos wirken und auf die klassischen, musikalischen Traditionen der Region zurückgreifen, sowie modernere, experimentellere Stücke. „Ich fühlte mich freier, Dinge zu tun, die ich normalerweise nicht tun würde. So fügte ich Schlagzeug hinzu, wo ich es sonst nie hinzugefügt hätte, oder schrieb eine Suite nur für Klavier und Cello, die 400 Jahre alt sein könnte.“

So hören wir das ruhig klingende Klavier und die Streicher von „The Prince and the Emperor“, basierend auf der Geschichte des Ritters Aleramo und Kaiser Otto I. aus dem 10. Jahrhundert n. Chr., und das helle, hoffnungsvolle „Adelasia“, inspiriert von der Prinzessin, die Aleramo so bezauberte. Es gibt auch eine Zerbrechlichkeit, zarte Momente sanfter Schönheit, die wie Sonnenlicht auf Tau glühen; die Zartheit von „A Story Yet to Be Told“ und „Song for the Village“ oder die beruhigenden Klänge von „Wallpaper of Dreams“. Dann ist da noch der Titeltrack, eine modernere, geschäftige Komposition, die auf einer aufstrebenden Klavierlinie, gleichmäßigen Drums und einem Hauch von Dunkelheit, der im Hintergrund mitschwingt, aufbaut. Es war das erste Stück, das er bei seiner Ankunft in Monferrato schrieb, gerade als die Herbstfarben zu erblühen begannen. Blackbirds and the Sun of October ist ein Titel, der sich von Anfang an richtig anfühlte – „Ich wollte ein Bild finden, das perfekt die Essenz des Ortes und der Zeit einfängt, an dem das Album Gestalt annahm“, erklärt Albanese. „Die Amseln, das Herbstlicht – es lag ein Hauch von Magie in diesen Momenten, die ich in Musik übersetzen wollte. Der Ort vermittelt all das, was dieses Album zu dem macht, was es ist.“

2022 erscheint „Emilie“ als Urknall-Single, die erste EP „Fühlst du dich allein“ landet im März `23 und Support-Slots für Ok Kid, Mayberg, Betterov oder JEREMIAS folgen. LENA&LINUS verkaufen ihre erste Headliner-Tour aus und finden sich auf unzähligen renommierten Festival-Bills wieder. Im September `23 schließt sich EP #2 „Sekundenschlaf“ und 2024 die zweite Tour an: Mit Band auf der Bühne und lust for live spielen LENA&LINUS Sets zwischen druckvoll und zärtlich. 2025 peakt schließlich für LENA&LINUS, denn ihr langerwartetes Debüt-Album „Wir verglühen“ erscheint im März!

Die Songs darauf sind der ein coming of age-Soundtrack, der sich irgendwo zwischen den melancholischen Weiten des Universums, intimen Momenten des Alltags, sehnsüchtiger Wehmut und Jugend-Nostalgie abspielt. LENA&LINUS‘ Lieder sind ehrlich, direkt und tragen die Schwere und Leichtigkeit des Wachstumsschmerzes der Jugend in sich. „Unsere Lieder sind genauso geschrieben, wie wir es auch sagen würden“, betont das Duo, und das fühlt man auch. Jeder einzelne LENA&LINUS-Song ist ein vertrauter Dialog zwischen zwei Freunden, die einander ihr Innerstes und Heiligstes anvertrauen. Und genau so entstehen auch ihre Songs: zu zweit, intim, im WG-Zimmer.

Daher verwundert es nicht, dass sich „Wir verglühen“ anhört wie Momentaufnahmen aus Selbstgesprächen und Freundschafts-Dialogen, in denen man gemeinsam über vergangene Abenteuer, verlorene Momente und die Suche nach Identität reflektiert. Dabei wechseln sich nachdenkliche Texte mit euphorischen Melodien ab – und schaffen es, den ungreifbaren Prozess des Erwachsenwerdens, den jeder durchläuft, aber nur die wenigsten beschreiben können, fassbar zu machen.

Die Band, bestehend aus Stavros Dzodzos (Gitarre, Gesang), Marco Mottolini (Bass) und Maxime Cosandey (Schlagzeug), ist bekannt für ihre hypnotisierenden Live-Performances mit schamanischer Bühnenpräsenz und instrumentaler Virtuosität. Ihr aktuelles Album „Dreaming in Dystopia“ (2023) setzt ihre musikalische Evolution fort, die sie mit Alben wie „Western Lies“ (2017) und „DSM-III“ (2022) begonnen haben.

Dirty Sound Magnet verspricht eine unvorhersehbare Show voller Rockstar-Charisma, poetischem Gesang und mitreißender Dynamik – ein Muss für Fans von kreativem, grenzüberschreitendem Rock.

Live entfalten ENGIN ihre volle Wucht: eine mitreißende Performance, die an die rohe Spielfreude und Originalität großer Acts der 70er erinnert, dabei aber einen frischen, zeitgenössischen Vibe versprüht und eine klare Haltung transportiert. Ihr Sound schafft mühelos den Spagat zwischen Nostalgie und Jetztzeit und öffnet Räume für Begegnung, Energie und Gemeinschaft.

Federale: Düstere Songs mit einem Hang zum Filmischen treffen auf Gothic-Landschaften der 80er Jahre und italienische Fuzz-Freakouts. Das sechste Studioalbum von Federale, Reverb and Seduction von 2024, markierte das 20-jährige Jubiläum der Band und zeigte, dass sie über die Grenzen von Ennio Morricone hinausgehen können. Diese Offenheit für ein breiteres Spektrum an Einflüssen erinnert an Sisters of Mercy, Goblin (den italienischen Prog-Rockern, die den Soundtrack zu Suspiria geschrieben haben) und vielleicht sogar ein wenig an Depeche Mode, sie leihen sich den Fuzz und das Feedback von BJM und The Electric Prunes.

Es sind immer noch viele der kinoreifen Soundscapes zu finden und auch die Filmindustrie wurde auf die Band aufmerksam: Ein Song war im Trailer zu dem Film „Banshees Of Inisherin“ mit Colin Farrell und Brendan Gleeson zu hören sowie im Thriller „Mona Lisa & The Blood Moon“ mit Kate Hudson und in der Schweizer Action-Komödie „Mad Heidi“.

Hollow Ship ist eine vierköpfige Psychedelic-Rock-Band aus Göteborg, Schweden, die für ihre dynamische Fusion aus frühen britischen Psych-Sounds, Afro-Rock-Rhythmen und jazzigen Improvisationen bekannt ist.

Ihre Musik zeichnet sich durch komplexe instrumentale Erzählungen, eine organische Live-Energie und die Bereitschaft aus, Genregrenzen zu überschreiten. Der Ruf der Band ist seit ihren Anfängen stetig gewachsen, angetrieben von ihrem unverwechselbaren Sound und ihren mitreißenden Live-Auftritten. Mit ihrem rhythmischen, experimentellen Ansatz, der Vergleiche mit Acts wie Dungen und Goat hervorruft, hat sich Hollow Ship als wichtiger Akteur in der zeitgenössischen Psychedelic-Rock-Szene etabliert.

Ihre neueste Veröffentlichung, die Animated Music Vinyl EP von 2024, via PNKSLM Recordings, ist ein Beispiel für ihr instrumentales Können und ihr tiefes musikalisches Zusammenspiel, das ursprünglich als Teil ihrer Live-Kollaboration „Space Motion“ mit dem bildenden Künstler Freddy Wallin entstanden ist.

Support: Megan Diana ist Vorreiterin eines neuen Genres: Dream Country Disco. Was bedeutet das? Man nehme sein Lieblings-Vintage-Keyboard – hallo Wurlitzer, hallo Fender Rhodes –, schalte es durch ein Echo-/Delay-Pedal, füge üppige, verträumte French-Horn- und Gesangspassagen hinzu, verankere das Ganze mit Retro-Drum-Grooves und kröne das Ganze mit einer Pedal-Steel-Gitarre mit Space-Echo. Ihr Debütalbum „Women in My Head” erschien 2018, ihr zweites Album „Cabin Fever” wurde im Oktober 2023 veröffentlicht. Megan ist meist auf Tournee um die Welt anzutreffen, wo sie mit üppigen Fransen und traumhaften musikalischen Vibes begeistert.