Rock

Allgemein bekannte Weihnachtslieder neu und fetzig arrangiert, in etlichen Stilrichtungen der Popularmusik interpretiert und in einer höchst unterhaltsamen Live-Show auch vor größerem Publikum präsentiert – das sind die Jahresendfiguren. Weihnachtsmärkte, Weihnachtspartys, Clubs und Gaststätten sind das Revier der Weihnachtsband aus Reutlingen. Und am liebsten spielen sie in der kalten Jahreszeit Open Air.

Die Jahresendfiguren haben den Dreh raus, wie man das Publikum mit Weihnachtsliedern begeistert. In ihrer Liveshow stecken sie die Weihnachtssongs in neue, poppige und rockige Gewänder, lassen den Schnee auch mal im Reggaerhythmus rieseln und auch Schlager- und Countryfans kommen auf ihre Kosten.
Es wird mitgesungen und getanzt, aber auch Wunderkerzen und Feuerzeuge werden gerne entzündet. Ein Konzert der Jahresendfiguren ist eine wunderbare Weihnachtsparty, bei der es auch bei Minusgraden Jung und Alt warm ums Herz wird.

Durch die Neuinterpretation dieser altehrwürdigen Lieder wird Weihnachten keineswegs veralbert – im Gegenteil. Bei allen Songs werden die Originaltexte gesungen. Bei Konzerten singt das Publikum immer häufiger die Jahresend­figuren-Versionen der Weihnachtslieder mit. Das zeigt, dass den Leuten die neuen Arrangements gefallen und sehr gut angenommen werden – und das Genera­tionen übergreifend.

Der Bandname ist Programm, denn die fünf Musiker treten in dieser Besetzung nur in der Weihnachtszeit auf. Auch optisch ist allerhand geboten, denn ­jeder Musiker stellt eine weihnachtliche Figur dar. Da gibt es den Nikolaus, ein Rentier, einen Engel, einen Weihnachtsbaum und den Lebkuchenmann.

Jenny Thiele hat einen Crush auf das Zusammenlegen von Ideen und Ressourcen - sich inspirieren, sich ausprobieren. Mit Irene Novoa unterhält sie das Duo AnnaOtta – auf ihrer gemeinsamen musikalischen Forschungsreise emulieren die beiden hypnotischen Jazz mit elektronischen Mitteln, machen Avantgarde tanzbar. Und wie! Zudem sieht sich Jenny Thiele über viele Jahre fest (und zuletzt noch mal lose) verschaltet mit der Band Fortuna Ehrenfeld. Ja, genau, der charismatische Act mit dem Typ in Stola, Puschen und Schlafanzug. Das letzte Kommando. Allein durch Fortuna Ehrenfeld stieg Jenny Thieles Konzert-Count in schwindelerregende Höhen.

2022 erscheint dann endlich ihr eigenes Album „Killing Time“ - mit englischsprachigen Texten. Die begeisterte Resonanz, die ihr eigenes Songwriting im Außen auszulösen vermag, fühlt sich toll an. Denn obwohl sie schon immer Musik selbst schreibt, öffnet „Killing Time“ ganz neue Räume. Der reduzierte Sound lässt die emotionalen Singer-Songwriter-Stücke gleichermaßen pointiert wie sanft erscheinen. Jetzt kann es echt losgehen. Und so fungiert diese Platte auch als eine Art Schleuse. Jenny Thiele kann von diesem Punkt nun ihre eigene Legacy von all dem wuseligen Davor abgrenzen. Parole: Platz schaffen. Denn der ist nötiger denn je. Und zwar für ein Album, das 2025 erscheinen wird. Das erste richtig große Ankommen nach all den Aufbrüchen, heißt: „Platz“. Adrenalin!

Musikalisch inspiriert von Bands der britischen Invasion der 60er Jahre und Künstlern wie Tom Waits, Blur, Randy Newman und Queens Of The Stone Age und mit Texten, die von der amerikanischen Literatur des 20. Jahrhunderts, insbesondere der Beat Generation und dem Gonzo-Journalismus, beeinflusst sind, lassen sich Tankus nicht in eine Schublade stecken.

In Anlehnung an die unermüdlich tourenden Bands der späten 1960er Jahre fragen Tankus The Henge, was eine Band überhaupt ist. Sie ist live, sie ist originell, sie ist niemandem Rechenschaft schuldig. Für diese eine wilde Nacht voller Lichter, Sound und überwältigender Emotionen, um dann mit Reifenspuren im Staub in die Nacht zu rauschen. Mehr als 1.000 Auftritte sind absolviert, und es gibt keine Anzeichen dafür, dass sie langsamer werden.

Nach der Veröffentlichung von Luna Park! im Jahr 2020 (produziert von Gethin Pearson) beginnt die Band mit der Arbeit an Album #4 und wird ihre Arbeit in Zusammenarbeit mit visuellen Künstlern fortsetzen, um ihre einzigartige Welt des Geschichtenerzählens zu erweitern.

Besetzung: Jaz Delorean (voc, keys, trb); Jack Price (git); Joao Mello (sax, keys, voc); Russell Evans (trb); Dan Hipkin (b); Joao Taborda (dr)

Ihr aktuelles zweites Album Gift von 2024 kommt mit differenzierterem Songwriting daher, ohne auch nur im Ansatz weniger wütend zu klingen. Das Album ist zornig, politisch und nie um große Melodien verlegen. Auf „Gift“ verdichtet sich, was sich auf „Stress“ bereits angebahnt hat, und es ist ein eklektisches Album entstanden, irgendwo zwischen IDLES, PIXIES, PABST und MELVINS, das auf kühne Art und Weise den Sound alter Idole dekonstruiert und in zeitgemäßem Gewand wieder zusammensetzt.

Fuzz und Distortion sind omnipräsent, die Stücke strahlen eine gefährliche Angepisstheit aus und gehen obendrein auch noch total ins Ohr, so als ob X, Amyl, Hole, White Lung und L7 eine Coop-Platte aufgenommen hätten.

Mit ihrem hochgelobten, 2021 veröffentlichten Debüt Album „Stress“ (Noisolution) haben 24/7 DIVA HEAVEN eines unmissverständlich klargemacht: Sie sind gekommen, um zu bleiben. Oder um es mit den Worten des „Classic Rock“ Magazins zu sagen: "Auf Krawall gebürstet. Relevant. Großartig. Punkt."

Die Band ist nicht nur im Proberaum und auf der Bühne aktiv, sondern zeigt politisches Engagement, u.a. als Gründerinnen des Berliner Kollektivs GRRRL-NOISY, das Jam-Sessions und Festivals organisiert und einen Ort der Vernetzung für FLINTA Musiker:innen und Musikfans bietet.

Dumb Bats: Ihre Songs spiegeln die Liebe der Band zu schnellem Punkrock mit rotzigem Gitarrensound und pun- chy Rhythmsections kombiniert mit der ungebremsten Power der Rock’n’Roll-Energie. Dabei treffen eingängige Hooklines im Stil von The Interrupters auf die kompromisslose Bühnenpräsenz von The Baboon Show, während Alternative-Einflüsse à la Guano Apes und die rohe Garage-Attitüde von The Hellacopters für einen ganz eigenen Sound sorgen.

Man könnte meinen, er habe schon alles erreicht. Mit seinen über Jahrzehnte gesammelten Früchten aus der Musiklandschaft könnte Thomas D es sich doch durchaus auf einem Gartensessel in der heimischen Vulkaneifel bequem machen und den verdienten Rapper-Ruhestand genießen. Mit Die Fantastischen Vier gewann der Musiker zahlreiche Preise, landete mehrfach ganz oben in den Charts, blickt auf ausverkaufte Stadientourneen zurück und lieh zur Krönung sogar schon mal dem Pinguin aus Madagaskar seine Stimme. Was zum Henker will der Mann mehr?

Vielleicht saß er ja bereits im Gartensessel, an einem dieser schönen Sommertage im Jahr 2019. Es heißt, ihm sei in jenem Sommer durch einen großen Zufall die Platte der Hamburger Band The KBCS in die Hände gefallen. Nachdem er zunächst etwas stutzig ob der gesanglosen Performance feststellte, dass es sich hierbei um ein Instrumentalwerk handelte, war es um ihn geschehen. Er ließ sich vom warmen Vintage-Sound der Band in den Bann ziehen und war sich sicher, dass die trockenen Drums, erdigen Basslines, spacigen Keyboard Sounds und filigran eingesetzten Gitarren ein neuer Wegbegleiter werden könnten. Flugs wird Kontakt aufgenommen und es entsteht ein gemeinsames Projekt: Thomas D Werke in KBCS-Gewand. Der instrumentale Klang harmoniert perfekt mit den zeitlosen Thomas-D-Texten, ein neues Kapitel beginnt. Die daraus resultierenden „M.A.R.S. Sessions“ widmen sich elf Titeln aus dem üppigen Songschatz des Musikers und kitzeln in einer kunstvoll arrangierten Fusion von grandios gespielten Instrumenten und Sprechgesang ganz neue Facetten heraus.

„In einer Zeit, wo Auto-Tune und Trap Beats die Popwelt dominieren, ist diese Rückbesinnung zum Menschlichen ein Segen für Hörer:innen. Eine musikalische Wellness-Behandlung mit Waldtannenöl.“ ist in der Tour-Ankündigung zu lesen.

Über 350 Liveshows später weiß jede:r, der:die sie erlebt hat: Das hier ist kein einfaches Konzert, sondern eine explosive Show. Von fetten Bläser-Hooks über epische Kostüme bis zu visuellen Eskapaden – APES O’CLOCK verwandeln jede Bühne in ihr eigenes Universum.

2024 stand voll im Zeichen von Album Nummer zwei: Neues Team, neue Show, neue Vision – und die ist lauter, bunter und frecher denn je. Denn für APES O’CLOCK gibt es keine halben Sachen: Sound, Story, Visuals und Performance verschmelzen zu diesem verrückten, schillernden Kosmos, in dem man komplett abtaucht.

Sebastian Kiefer, musikalischer Tausendsassa an mindestens einem Dutzend Instrumenten, Komponist, Texter, Sänger, Tonstudiobetreiber und Kinderbuchautor, ruft Rong Kong Koma im Oktober 2017 auf den Plan. Er findet Mitstreiter in alten Freunden aus der Kreuzberger und Neuköllner Punkszene. Im Gegensatz zu seinen vorherigen Bands „Diving for Sunken Treasure“ oder „Huck Blues“ sind die Texte zum ersten Mal auf deutsch. Mit Nils Bucher als Bassist findet sich sowohl ein Bruder im Geiste, als auch ein Komplize der Neuausrichtung. Er ist Dokumentarfilmer aus Stockholm, selbst Songwriter und Multiinstrumentalist. Außerdem an Bord ist Mike Heide, Band- und Tourerfahrener Vollzeit-Drummer. Er trägt neue Töne und ein hartes, rauhes Drumming in die Songs. Gemeinsames Musik machen ist die Kernvision der so neu entstandenen Band. Intensive Probephasen, mehrere Besetzungswechsel, Norming, Storming und schließlich: Performing. Die neue Band spielte bereits deutschlandweit in Clubs, noch bevor überhaupt der endgültige Name gefunden war.

Das erste Album „Lebe Dein Traum“ erschien im März 2020, produziert von Sebastian Kiefer. Es wurde trotz hereinbrechender Coronakrise, ausfallenden Gigs und landesweiter kreativer Stagnation, von der Presse und den Fans einstimmig gut aufgenommen. Linus Volkmann sieht „eine düstere, wie hochästhetische Platte“, das OX befindet: „Wunderbarer Sound, der überall funktioniert“. In der 3Sat Kulturzeit wird das Video zum Song „Scheiß Berliner“ ausgestrahlt und löst, wie nebenbei, eine Debatte darüber aus, inwieweit lokaler Patriotismus in einer linken Szene überhaupt stattfindet und wenn ja, warum eigentlich.

Das zweite Album „Delfine der Weide“ erscheint im Oktober 2022 auf Rookie Records, ebenfalls von von Sebastian Kiefer produziert. Nach zwei Jahren Konzertflaute, Einsamkeit, Abstandsregeln und Krieg, ist ein vielschichtiges und tiefgründiges Album entstanden. Voller Leid und Wahnsinn. Liebe und Hass. Einsamkeit und Verlangen. Schaffen und Prokrastination und Depression und Glück.

Von allem ein bisschen mehr: Härter, poppiger, punkiger, schneller, langsamer, melodiöser und direkter. Die nächste Evolutionsstufe der Band.

The thread that binds CRIPPLED BLACK PHOENIX’s bold and towering discography — a dozen studio albums, a half-dozen mini-albums, a handful of compilations and swaths of bootlegs — could not be more apropos circa 2022. Since its 2004 creation by multi-instrumentalist and songwriter Justin Greaves, CRIPPLED BLACK PHOENIX has served as the voice for the voiceless, whether it be animals, the unequal and the different. Greaves and longstanding vocalist and lyricist Belinda Kordic have often proffered that these beings cannot fend for themselves. Henceforth, CRIPPLED BLACK PHOENIX’s mission has been to shed light on the human condition and the inequalities that befall humankind and its creatures. Their battle marches on with their latest studio album, Banefyre. Banefyre follows 2020’s Ellengæst — an effort that found CRIPPLED BLACK PHOENIX employ a series of notable guest vocalists alongside Kordic, prompting Metal Hammer to describe it as their “most cohesive and emotionally devastating record.” Kordic is now paired with Swedish vocalist Joel Segerstedt, who made his CRIPPLED BLACK PHOENIX debut last year via the “Painful Reminder/Dead is Dead” single. Piano, synth and trumpet player Helen Stanley and additional guitarist Andy Taylor complete the lineup. Greaves says Stanley and Taylor “fit so well creatively,” which has made CRIPPLED BLACK PHOENIX feel like a band when making plans and decisions. Also central to this is Segerstedt. According to Kordic, the vocalist and lyricist lives a mere five minutes from her in Sweden and has quickly integrated himself into the band. “What I like about Joel is that he’s a good person,” she says. “There’s no fakeness with him; he has cajones. He’s not a bitch- talker, either. I can’t handle people who don’t have a backbone, but Joel is real and can speak his mind.” “I like how Joel has come in and spoke for himself,” adds Greaves. “He’s in the band for the right reasons. I see him the same way as Belinda — she took an interest in the whole artistic thing behind CRIPPLED BLACK PHOENIX, like the vocals, lyrics, artwork and aesthetic. It’s the same with Joel. He has taken an interest in all of those things. In the past, we had people who didn’t contribute artistically and only cared about what they got out of the band. But Joel is really proactive and takes the initiative.” Greaves assembled 13 songs (including “No Regrets,” a bonus track for his new project with Kordic, Johnny the Boy) imbued with the depth and introspection that will reinforce CRIPPLED BLACK PHOENIX’s standing as a band that defies genre. The album was tracked at Chapel Studios in South Thoresby, Lincolnshire, with vocals cut at Monolith Studio and Kapsylen Studio in Stockholm, Sweden. Kurt Ballou handled mixing in GodCity Studios in Salem, Massachusetts — a pivotal move in determining the album’s overall sound. “I love the album so much because it was a different approach with the production,” says Greaves. “For my part, it was a little bit of a reaction. I didn’t want to do the same warm, safe CRIPPLED BLACK PHOENIX album. I’m aware that when we did [2012’s] I, Vigilante, everyone wanted I, Vigilante again. As it so often happens with this band, people complain about the next one, then growinto it. Ellengæst is like I, Vigilante. It’s a shorter album. It hit the mark and was done really well, but everyone will expect another Ellengæst. I feared that, but I care enough not to make another Ellengæst. It’s the right thing to do. That’s why we got Kurt to mix it — we wanted that analog, raw power. Even though the album has mellow moments, those are edgy as well. We just didn’t want to do the same album twice. We’re never going to be a band that people can rely on.” Greaves’ summation of his band notwithstanding, his distinctive guitar playing and enduring knack for immersive songwriting is the propellent behind the haunting, chant-laden “Ghostland,” pensive “The Reckoning” and forlorn “Everything is Beautiful but Us,” the band’s spot-on analysis of the retreat of humankind indoors during the pandemic that revealed nature’s priceless beauty. The album is also stocked with no less than four ten-minute-plus cuts (“Rose of Jericho,” “Down the Rabbit Hole,” “I’m Okay, Just Not Alright” and “The Scene is a False Prophet”) that are intermixed with drama and melancholy. It all ties into Banefyre’s central theme of the persecution of people who are deemed “different” by society. The album title is a play on the song “Bonefire” that Kordic named and wrote lyrics for. In classic CRIPPLED BLACK PHOENIX fashion, Greaves turned it into the Olde English translation to represent the bonfires that engulfed witches and politicians through the 15th and 18th centuries, hence, the name Banefyre. The album begins with “Incantation for the Different,” which was written and orated by Chicago- based witch, artist, author and occultist Shane Bugbee, who, according to Greaves, “brought us some positive, dark energy.” Banefyre then delves into the Salem Witch Trials (“Wyches and Basterdz”), fox hunting in Great Britain (“The Reckoning”), politicians of an unscrupulous and dishonest kind (“Bonefire”) and the New York City Blackout of 1977 (“Blackout77”). Greaves says Banefyre’s topics may have a decidedly negative and pessimistic tone, but a glimmer of hope and joy remains. “There’s always the random bits, but overall, Banefyre is about the people who have suffered because they are different. The album covers inequality and oppression, like ‘Incantation for the Different,’ which is about overcoming when you’re put down because you’re not like everyone else.” In true CRIPPLED BLACK PHOENIX fashion, the Lucy Marshall-created Banefyre cover leaves plenty to the imagination, depicting four animals seated at a table — interacting and dressed like human beings. “It’s sort of like Planet of the Apes showing what animals could do to humans,” says Greaves. “The cover was specially commissioned and is unique to the album. It’s incorporating all the classic CRIPPLED BLACK PHOENIX elements with the love for animals and twisting the narrative around.” CRIPPLED BLACK PHOENIX’s reputation was built on the back of their studio albums and live shows. The pandemic prevented the band from supporting Ellengæst, but it did provide them additional time to bring in new members to their live configuration. “We’ve done one show since 2019,” says Greaves. “We are going to do something in Europe this year. Hopefully, we can get back on track. We’re also going to do something in the States — that’s not just talk, we’re actually going to do it. It’s well overdue. The live band is fucking amazing. We have the five of us and now we have Jordi [Farré] on drums, Paco [Fleischfresser] on synth and a really good friend of mine, Matt Crawford on bass. “We did the Leipzig show and even though the rehearsals were better than the show itself, that lineup, our live band, is so good. Because we haven’t been under pressure to put a live band together since 2019 and spent so long talking to people, we’ve got a better band from those results. Out of disaster, we’ve got quite a good, positive thing.”

Die 5 Jungs aus Reutlingen treiben das Publikum mit ihrem energiegeladenen Sound an, immer cool, immer tanzbar und oft mit einem Augenzwinkern und einer guten Portion Ironie. Das Vorgängeralbum „JUST DANCE LIKE NOBODY'S WATCHING“ schaffte es 2017 bei Amazon auf Platz 1 der Aufsteiger des Tages und bescherte der Band zahlreiche Air- und Videoplays.
Im Juni 2017 gewann die Band den Live-Contest „Fürstenberg Lokal Derby“. WALTER SUBJECT setzte sich gegen 100 der besten Live- ands des wilden Südens durch und spielte daraufhin beim legendären Zelt-Musik-Festival in Freiburg.

Lights of Orion verbinden die Magie der 80er-Jahre mit dem unverwechselbaren Sound des Independent. Die vier Musiker, die bereits auf 25 Jahre Bühnenerfahrung zurückblicken, präsentieren ein neues Kapitel ihrer Bandgeschichte: Mit neuem Namen (ehemals "Bambus Orion"), neuem Programm und ihrem charakteristischen Sound schlagen sie die Brücke zwischen Nostalgie und Gegenwart. Bekannte Klassiker erhalten durch ihre individuelle Handschrift ein zeitgemäßes Gewand – mal kraftvoll und treibend, mal atmosphärisch und kantig. Abseits des Mainstreams entstehen so Songs, die gleichermaßen mitreißend, tanz- und mitgröhlbar sind.

Lights of Orion schaffen es, das Lebensgefühl einer ganzen Generation einzufangen und in die Gegenwart zu transportieren – garniert mit einem Augenzwinkern und jeder Menge Nostalgie.

DJ Mike Ryser hatte bereits beim letzten Walter WHO? Rumble die tanzwütige Meute fest im Griff. Der DJ, den viele noch von den legendären Alternative-Partys in der Färberei, dem Sudhaus und vom Zentrum Zoo Tübingen kennen, wird auch dieses Jahr wieder die Plattenteller zum glühen bringen.

Bees Made Honey in the Vein Tree sind eine Post-Doom Band aus Stuttgart. Seit sie sich 2014 gründeten sind die Kontraste zwischen hell und dunkel, laut und leise, schnell und langsam untrennbarer Teil ihrer Musik geworden. Die Kompositionen vereinen brachiale Doom Riffs mit sphärischen Post-und Psychedelic Rock mit Ausflügen in Shoegaze. Darüber wird stark verhallter Gesang gelegt, der die Rolle eines weiteren Instruments einnimmt und der Musik Weite und Ästhetik verleiht, sowie durch die metaphorischen Texte eine visuelle Ebene schafft.
Ihr 2017 auf Pink Tank Records erschienenes Debütalbum Medicine vereint mehrere Genres miteinander und liefert dadurch ein abwechslungsreiches Hörerlebnis, welches einer Reise durch die verschiedenen Spielarten des Psychedelic Rocks gleicht. Zwei Jahre später waren die vier Stuttgarter mit ihrem zweiten Album Grandmother (Pink Tank Records) auf Tour, welches mit deutlich härterem Klang, schnelleren Passagen und tiefergestimmten Gitarren überzeugt, aber durch gleichzeitige effektbeladene Gitarren-Soli Räume schafft, in die es sich einzutauchen und verlieren lohnt. Mit "Aion" - das im August 2023 auf Magnetic Eye Records erschien - streben die Bees einen expansiveren und vielfältigeren Sound an, der Elemente von Ambient und Field Recording einbezieht, während sie dem Gesang eine prominentere Rolle als auf den vorherigen Alben einräumen.

Auf die Frage „Wer spricht hier?“ müsste man antworten: Hier spricht das talentierte, kreative Berlin im Alter zwischen 28 und 34, was sich, wie in jeder neuen Lebensphase, konfrontiert sieht mit der Frage, welche verdammten Weichen es einem solch fluide Leben überhaupt stellen soll. Wie geht die angebliche „Rush Hour des Lebens“ als von einer Pandemie teilweise übel ausgebremster, umtriebiger Musiker?

Dieses Album ist Zeuge der Lücken der Zwecksoptimierung und beweist, dass es anarchische Gedanken und Gefühle im Leben auszuhalten gibt, bei denen auch keine Instagram-Parole hilft.

Lieber stellen Odd Couple uns jede Menge Fragen. Zwischen der Frage, ob man Vater werden soll, und dem plötzlichen Verlust des eigenen. Zwischen der Sehnsucht nach etwas Bleibendem und der Erkenntnis, dass die Jahre – diese Rush-Hour – wie im Fluge vergehen, ohne dass man vielleicht jemals ankommt. Odd Couple entblößen hier auch ihre Verletzlichkeit. Sie singen von Berlin, dieser Stadt, die alles sein kann und doch oft nichts ist – außer ein Ort, an dem man tapfer seine Freiheit aushält und nicht wissen kann, ob es nun der Ort für immer ist oder am Ende eine Phase sein wird.

Vier Jahre haben die Ideen für dieses Album herumgegeistert, in den Köpfen der beiden Musiker, durch ihre Festplatten und schließlich quer durchs Land, wurden hin und her geschickt, zwischen Berlin und Köln. Ein Flickenteppich aus Fragmenten, aus dem Tammo und Jascha wie wahre Alchemisten ein großes Ganzes zusammengesetzt haben. Aber nicht im Sinne einer glatten Produktion, sondern in der Aufrichtigkeit eines Demo-Albums, das die Intimität eines heimischen Studios atmet. Es gibt keine Hochglanzfassade, keine aufpolierte Perfektion – und das ist Absicht.

Überhaupt sind es glänzende Gedanken, die Odd Couple hier mit uns teilen. Ich meine, wer kommt auf Titel wie „Häuser sind blöd“? Starke Garage-Rock Gebilde treten hier den Beweis an, dass externe Produzenten heutzutage froh sein können, wenn sie von Bands wie Odd Couple und ähnlichem Kaliber überhaupt noch angefragt werden. Die musikalische Landschaft dieses Albums ist fragmentiert, wie das Leben selbst. Hier wird nichts geglättet, hier wird nichts zurechtgebogen – und das beflügelt beim Hören ungemein. Es ist ein Füllhorn aus unbändigem Spaß am Produzieren und vielleicht irgendwo aus dem Äther gefallenen Texten, die beinahe magisch einen Sinn ergeben, dass es die Band manchmal selbst überrascht hat.

Die Produktion ist verspielt, muskulär und spektral. Die Drumspuren wurden mit zwei Mikrofonen aufgenommen, die Gesangsspuren teilweise direkt vor dem Rechner eingesungen. Olaf Opal, der alte Freund und Produzent, brachte seine Magie diesmal untypisch dezent in die Produktion, ohne den Kern der Unmittelbarkeit zu ersticken. Manche Dinge sind einfach nicht tot zu kriegen. Die Liebe zum Basteln, die großen Fragen ans Leben wie „Bin ich hier richtig?“ oder die Leidenschaft für Rockmusik bleiben durch Alben wie dieses ein Refrain der Menschheit, ein Kehrvers, den wir immer wieder mit neuen Stimmen wiederholen können und dem wir in Odd Couples Fall betört zuhören. Diese Platte erdet, erregt und beflügelt. Wenn man Glück hat schlägt ein Herz in einem Album - in diesem hier schlagen gleich zwei.

Support: The Worm Reducer: Zwei Typen machen Garagepunk in Süddeutschland und sind kurz davor, das Universum zu erobern. Nur Schlagzeug und Bass. Mehr braucht kein Mensch! Die sind cool! Glaubt es! Ich hab noch nie von denen gehört! Versprochen! Und iss Dein Gemüse!

Die Band, bestehend aus Stavros Dzodzos (Gitarre, Gesang), Marco Mottolini (Bass) und Maxime Cosandey (Schlagzeug), ist bekannt für ihre hypnotisierenden Live-Performances mit schamanischer Bühnenpräsenz und instrumentaler Virtuosität. Ihr aktuelles Album „Dreaming in Dystopia“ (2023) setzt ihre musikalische Evolution fort, die sie mit Alben wie „Western Lies“ (2017) und „DSM-III“ (2022) begonnen haben.

Dirty Sound Magnet verspricht eine unvorhersehbare Show voller Rockstar-Charisma, poetischem Gesang und mitreißender Dynamik – ein Muss für Fans von kreativem, grenzüberschreitendem Rock.

Federale: Düstere Songs mit einem Hang zum Filmischen treffen auf Gothic-Landschaften der 80er Jahre und italienische Fuzz-Freakouts. Das sechste Studioalbum von Federale, Reverb and Seduction von 2024, markierte das 20-jährige Jubiläum der Band und zeigte, dass sie über die Grenzen von Ennio Morricone hinausgehen können. Diese Offenheit für ein breiteres Spektrum an Einflüssen erinnert an Sisters of Mercy, Goblin (den italienischen Prog-Rockern, die den Soundtrack zu Suspiria geschrieben haben) und vielleicht sogar ein wenig an Depeche Mode, sie leihen sich den Fuzz und das Feedback von BJM und The Electric Prunes.

Es sind immer noch viele der kinoreifen Soundscapes zu finden und auch die Filmindustrie wurde auf die Band aufmerksam: Ein Song war im Trailer zu dem Film „Banshees Of Inisherin“ mit Colin Farrell und Brendan Gleeson zu hören sowie im Thriller „Mona Lisa & The Blood Moon“ mit Kate Hudson und in der Schweizer Action-Komödie „Mad Heidi“.

Hollow Ship ist eine vierköpfige Psychedelic-Rock-Band aus Göteborg, Schweden, die für ihre dynamische Fusion aus frühen britischen Psych-Sounds, Afro-Rock-Rhythmen und jazzigen Improvisationen bekannt ist.

Ihre Musik zeichnet sich durch komplexe instrumentale Erzählungen, eine organische Live-Energie und die Bereitschaft aus, Genregrenzen zu überschreiten. Der Ruf der Band ist seit ihren Anfängen stetig gewachsen, angetrieben von ihrem unverwechselbaren Sound und ihren mitreißenden Live-Auftritten. Mit ihrem rhythmischen, experimentellen Ansatz, der Vergleiche mit Acts wie Dungen und Goat hervorruft, hat sich Hollow Ship als wichtiger Akteur in der zeitgenössischen Psychedelic-Rock-Szene etabliert.

Ihre neueste Veröffentlichung, die Animated Music Vinyl EP von 2024, via PNKSLM Recordings, ist ein Beispiel für ihr instrumentales Können und ihr tiefes musikalisches Zusammenspiel, das ursprünglich als Teil ihrer Live-Kollaboration „Space Motion“ mit dem bildenden Künstler Freddy Wallin entstanden ist.

Support: Megan Diana ist Vorreiterin eines neuen Genres: Dream Country Disco. Was bedeutet das? Man nehme sein Lieblings-Vintage-Keyboard – hallo Wurlitzer, hallo Fender Rhodes –, schalte es durch ein Echo-/Delay-Pedal, füge üppige, verträumte French-Horn- und Gesangspassagen hinzu, verankere das Ganze mit Retro-Drum-Grooves und kröne das Ganze mit einer Pedal-Steel-Gitarre mit Space-Echo. Ihr Debütalbum „Women in My Head” erschien 2018, ihr zweites Album „Cabin Fever” wurde im Oktober 2023 veröffentlicht. Megan ist meist auf Tournee um die Welt anzutreffen, wo sie mit üppigen Fransen und traumhaften musikalischen Vibes begeistert.

Live entfalten ENGIN ihre volle Wucht: eine mitreißende Performance, die an die rohe Spielfreude und Originalität großer Acts der 70er erinnert, dabei aber einen frischen, zeitgenössischen Vibe versprüht und eine klare Haltung transportiert. Ihr Sound schafft mühelos den Spagat zwischen Nostalgie und Jetztzeit und öffnet Räume für Begegnung, Energie und Gemeinschaft.

Die neun neuen Stücke zeigen: Am Ende hat sich all das gelohnt. Die Bandbreite reicht vom frechen Slacker-Rock von „Stick It“ über den dröhnenden Moloch von „K.A.D.A.V.A.R.“ bis zur Thrash-Metal-Keule (!) „Total Annihilation“. Vielfältiger und zugleich archetypischer klangen Kadavar wahrscheinlich noch nie. Aber so ist das eben, wenn wirklich jedes Bandmitglied gleichberechtigt Songs und Ideen beisteuert. „K.A.D.A.V.A.R.“ klingt vertraut und neu zugleich, würdigt das Gestern ohne darin verhaftet zu sein. Und ist vor allem eines: Ein Album übervoll mit Spielfreude. „Wir wollten die Leichtigkeit zurück, die wir vor 15 Jahren hatten“, betont Lindemann. „Die Naivität der ersten beiden Platten bekommen wir natürlich nicht zurück, aber wir können uns immerhin annähern. Es ist wie unser Debüt, nur diesmal eben als Quartett.“ Furios, groß, verdichtet. Kadavar sind wieder die Alten. Und doch ganz neu. Willkommen zuhause.

Elder ist eine genreübergreifende Rockband, die schwere psychedelische Klänge mit progressiven Elementen und stimmungsvollen Soundscapes verbindet. Die Band wurde Mitte der 2000er Jahre in einer kleinen Küstenstadt in Massachusetts gegründet und hat ihren Sound im Laufe von fünf Alben immer wieder neu erfunden, um sich von einem Urgestein der Stoner/Doom-Szene zu einer der markantesten Stimmen der Rock-Underground-Szene zu entwickeln. Ihre lang angelegten Kompositionen entfalten sich wie Reisen, die innerhalb eines einzigen Songs die gesamte Bandbreite der Stile von den 70er Jahren bis zur Gegenwart abdecken, mit einer Vorliebe für „die schiere Pracht der Gatefold-Ära“ (Rolling Stone). Mit ihrer im Oktober 2025 erschienenen EP "Liminalty/Dream State Return" stürzen sie sich im Sommer 2026 endlich auf's Publikum im Süd-Westen.

Wichtige Hinweise für unsere Gäste:

• Keine Schirme erlaubt: Aufgrund von Verletzungsgefahr und Sichteinschränkungen sind Schirme auf dem Gelände nicht gestattet. Bitte bringen Sie bei Regen einen geeigneten Regenschutz mit.

• Essensstände: Auf dem Veranstaltungsgelände finden Sie verschiedene Essensstände.

• Mitbringen von Getränken und Speisen: Das Mitbringen von eigenen Getränken und Speisen ist nicht erlaubt.

• Verzicht auf größere Taschen: Wenn möglich, verzichten Sie bitte auf größere Taschen und Rucksäcke, um die Sicherheitskontrollen zu erleichtern.

• Foto- und Videokameras: Professionelle Foto- und Videokameras dürfen nicht mitgeführt werden. Handy- und Pocketkameras sind jedoch erlaubt.

• Awareness-Hinweis: Auf dem Veranstaltungsgelände steht Ihnen unser Awareness-Team jederzeit zur Verfügung. Bitte wenden Sie sich an unser Team, wenn Sie Unterstützung benötigen oder unangenehme Situationen erleben.

Geboren in Mexico und als Sohn eines Fallenstellers in der Wildnis Alaskas aufgewachsen, begann Tito Larrivas Karriere in Los Angeles. Mit den PLUGZ und später den CRUZADOS nahm diese schnell Fahrt auf. Eine Top10 Single und ein Cover auf dem Billboard Magazin später wurde Larriva Teil der L.A. Musik- und Filmszene der 80er Jahre. Im Probenraum nebenan machten die Red Hot Chili Peppers ihre ersten Gehversuche. Emmylou Harris, Jeff Porcaro (der früh verstorbene TOTO Drummer) waren seine Nachbarn. Zeitgleich begann auch die Schauspielkarriere des ausgebildeten Ballett-Tänzers. Nach dem Debüt als „Hammy“ in der „Pee-wee Herman Show“ (1981) arbeitete er mit Patrick Swayze (Roadhouse), Johnny Depp (Once Upon A Time In Mexico), Antonio Banderas (Desperados 2), mit Mel Gibson und Milla Jovovic in Wim Wenders ́ „The Million Dollar Hotel“, David Byrne (True Stories), Cheech Marin (Born In East LA), in dem Oscar-prämierten Kurzfilm „Session Man“ sowie mit R. Rodriguez (Grindhouse).
Tito Larriva schrieb Musik für über 50 Filme (u.a. die Titelsongs für „Machete“ 2010 und „Machete kills“ 2013) und Fernsehserien. Der Startschuss für Tito & Tarantula war Robert Rodriguez ́ Angebot an „From Dusk Till Dawn“ (1995) mitzuarbeiten. Die legendäre Performance als Vampire Hausband der „Titty Twister“ Bar und der weltweite Erfolg des Films brachte die Band (als Support von Joe Cocker) erstmals nach Europa. Der Europa-Release des Debüt Albums „Tarantism“ mit den Klassiker Songs aus „From Dusk Till Dawn“, „After Dark“, „Angry Cockroaches“, sowie „Strange face of love“ folgte 1997. Diese Songs markieren den Beginn einer neuen Ära amerikanischer Filmmusik und stellen Tito Larrivas außergewöhnliche Fähigkeiten als Sänger und Komponist unter Beweis.

Tito & Tarantula entstand aus den wöchentlichen Sessions, die Larriva unter dem Namen Tito & Friends mit stets herausragenden Musikern der L.A. Szene veranstaltete. Neben den Gitarristen Steven Hufsteter von dem gesagt wird, er hätte Bob Dylans Angebot, in seine Band einzusteigen abgelehnt, war die Band mit Hochkarätern wie dem Gitarristen Peter Atanasoff (Norah Jones, Ricky Lee Jones) und den Drummern Alfredo Ortiz (Beastie Boys/Gogol Bordello) und Rafael Gayol (A-ha, Leonard Cohen) in Europa, Asien Nord und Südamerika auf Tournee.

Für dieses Projekt hat die Brigade renommierte Gäste eingeladen, darunter Mitglieder legendärer Bands wie Radio Bemba Sound System, La Ruda, Les Hurlements d’Léo, Saï Saï, Les Zingueurs, Cartoon Machine und Giramundo.

Die Tournee 2026 wird das 10-jährige Jubiläum der Band zelebrieren – ein Jahrzehnt voller energiegeladener Konzerte, begeisterter Fans und gemeinsamem KIF. Sie erstreckt sich vom Frühling bis zum Spätsommer und führt durch Frankreich und mehrere europäische Länder.

Macht euch bereit: La Brigade du Kif war noch nie so bereit, richtig Lärm zu machen.

Die Reutlinger*innen von Kava Conspiracy nehmen die Hörer mit auf eine Reise in eine Welt, die von Gegensätzen lebt – eine Mischung aus psychedelischen und progressiven Klängen, warmem Orient und eisiger Kälte, getragen von feurigen Melodien und eindrucksvollem Falsett.

Die Musik fordert und fasziniert gleichermaßen, zieht die Zuhörer in ihren Bann und schafft eine immersive Erfahrung. Kava Conspiracy machen keine Musik für „nebenher“. Auf der Bühne entfalten sie eine schier unbändige Energie, die von wild und ungestüm bis fokussiert und kraftvoll reicht.

Eine Vielfalt an Genres, von leichten progressiven, warmen Stoner Sounds über doomige Schwergewichte bis hin zu thrashigen Riffs und präzisem Djent-Groove – Empathogen nimmt die Hörer mit auf eine innovative Fahrt durch Raum, Zeit und Geist.

HEISSKALT genießen einen Ruf als besonders mitreißender Live-Act und spielen ihre ganz eigene Kombination aus explosiven Drums, flirrenden Gitarrenlandschaften und immer ausdrucksstarken Vocals. Mal singen, mal sprechen sie und mal schreien sie sich die Seele aus dem Leib - zwischen Post-Hardcore und Indie, zwischen Postrock und Pop, zwischen brachialem Lärm und herzzerreißender Zärtlichkeit.

Fans dürfen sich auf tropfende Clubdecken, eine elektrisierende Atmosphäre und ein Live-Gefühl freuen, das sich nicht streamen lässt. Neben vier Shows in Deutschland spielt die Band im Frühjahr außerdem drei Konzerte in Österreich und zwei in der Schweiz. Wie immer wird HEISSKALT das Publikum mit neuen und alten Songs gleichermaßen in Ekstase versetzen – mitreißend, energiegeladen und voller Emotionen.

Schon früh in ihrer Karriere machten HEISSKALT mit erfolgreichen Support-Touren, eigenen Clubshows, TV-Auftritten und Festivalbühnen – unter anderem beim Hurricane und Southside – auf sich aufmerksam. Auf ihr in die Charts eingestiegenes Debütalbum „Vom Stehen und Fallen“ folgten drei weitere Releases, bevor die Band 2018 eine Auszeit einlegte. Nach dem gefeierten Comeback 2024 und der anschließenden Tour zum aktuellen Album „Vom Tun und Lassen“ (VÖ Januar 2025) kehren HEISSKALT 2026 zu ihren Wurzeln zurück – in die kleinen Clubs, in denen alles begann.