Indie

LATURB sind der brutalste Beweis, dass das New Wave und Synthpop Revival der jüngeren Vergangenheit dringend nötig war. Du willst diese drei Überschnuckis als neue beste Freund:innen haben, wenn du nur einer ihrer Liveshows beigewohnt hast. Diese sind ein wilder Ritt auf 80s Synthesizern und punkigen Gitarrenriffs, getragen von punchigen Rhythmusmaschinen und den Ausnahmestimmen der ungleichen Sängerinnen. Neben catchy hooklines werfen die zwei sich obendrein in halsbrecherische Anarchoakrobatik und zünden eine Überraschungsgranate nach der nächsten. Trash and treasures am laufenden Band, bevor uns das Bremer Trio hochemotionalisiert im Konfettiregen zurücklässt – zum Schockverlieben!

Die hier versammelten Moritaten, Momentaufnahmen und Menschenbetrachtungen helfen dabei. Sie erheitern, stiften Nähe, Distanz und neue Zugänge ins Altbekannte. Angezählte Vorstellungen vom Leben schillern in Reimen und Versen von süffisanter Zugewandtheit. Stimmen aus Großraumbüros, Straßen und Plätzen treffen auf innere Monologe von Nachbarn, Gegnern und besten Freundinnen.

Das Papperlapapp dieser Stücke ist beredt. Ein Abend für Balladenfans und Beethovenliebhaber, Physikversteherinnen, Dada-Genießer und schöne Seelen, allen Zeitläuften zum Trotz. Tiefbohrendes Poesie-Easy Listening.

Besetzung: Timo Brunke Wort, Andreas Krennerich Saxofon, Boris Kischkat Gitarre + Looper, Daniel Kartmann Percussion + Vibrafon

Timo Brunke ist von Beruf freischaffender Wortkünstler. Nach einem Studium der ev. Theologie und einer Schauspielausbildung bei Frieder Nögge begründete er 1999 den Stuttgarter Poetry Slam. Seit 1993 tritt Brunke mit seinen Texten und Programmen im In- und Ausland auf. In seinen Soloprogrammen experimentiert er sowohl mit traditionellen Formen wie Ode und Ballade als auch mit den aktuellen Sprechweisen des Rap und des Spoken Word.

Als Partner von Bas Böttcher gastierte Timo Brunke mit der Textbox, dem "kleinsten Massenmedium der Welt", an Orten wie der Neuen Nationalgalerie Berlin, dem Centre Pompidou oder internationalen Buchmessen wie Peking, Abu Dhabi oder Bangkok. Zusammen mit Sebastian Krämer ist er mit dem Schauerballaden-Programm "Zackebuh" auf Tour. 2019 gründete er die Hölderlin-Spoken-Word-Band, um Hölderlins Dichtung im Hölderlin-Jubiläumsjahr in einen "riskanten Austausch mit der Gegenwart" zu bringen. Seit einigen Jahren arbeitet Timo Brunke als Konzertpoet. Im Austausch mit Dirigent:innen wie Friederike Kienle, Garrett Keast, Elias Grandy, Matthias Foremny und Dan Ettinger entstanden Konzerte, in denen das gesprochene Wort auf rhythmisch-klangliche wie erzählerische Weise mit dem musikalischen Geschehen spielt. Mit dem Ensemble Balance ist er seit 2020 produktiv verbunden.

Neben seiner künstlerischen Arbeit macht sich Timo Brunke seit vielen Jahren für die sprachliche Bildungsarbeit stark. Er ist Autor mehrerer Sprachspielbücher für einen musischen Deutschunterricht und bildet Deutschlehrerinnen und Deutschlehrer am Literaturpädagogischen Zentrum des Stuttgarter Literaturhauses fort. "Mitteleuropapperlapapp" heißt Timo Brunkes aktueller Gedichtband, erschienen 2023 beim SATYR-Verlag Berlin

Wenn Waving The Guns Konzerte geben, wird die textliche Spannbreite von bewusst stumpf bis unverkrampft tiefgründig einmal ausgeschöpft. Eine WTG-Show ist niemals eintönig oder beliebig, sondern hat eine eigene musikalische und inhaltliche Dramaturgie. Was die Live-Fähigkeiten betrifft, muss sich hinter niemandem versteckt werden. Humor ist dabei immer vorhanden, mal mehr und mal weniger subtil. Kommentare und Gedanken zum Zeitgeschehen werden mit Battle-Rap-Attitüde transportiert und auch, wenn die politische Haltung stets klar ist, stehen Witz und Entertainment immer an erster Stelle. Vermeintliche Grenzen durch Abgrenzungen werden gesprengt, wenn WTG ihr in vielerlei Hinsicht heterogenes Publikum in der Begeisterung für die Band einen. Dabei sollte sich niemand zu sicher sein, nicht doch Ziel eines Seitenhiebes zu werden, denn zum Crowdpleasing gehört hier auch das augenzwinkernde Aufs-Korn-Nehmen. Fallen lassen sollen sich alle, denkfaul werden darf aber niemand.

Die Rostocker haben sich in mehr als zehn Jahren, ohne plötzlichen Hype oder musikalische Strohfeuer, eine stabile Fanbase erspielt, und für nicht wenige Menschen spielen sie eine wichtige Rolle in der musikalisch-politischen Sozialisation. Statt sich darauf auszuruhen, entwickeln sie das eigene Projekt konstant organisch weiter, ohne irgendetwas zwanghaft anders machen zu wollen. Bodenständigkeit, ohne hängengeblieben zu sein, Attitüde und Selbstbewusstsein ohne Selbstüberhöhung, wortgewandte Kritik, die auch vor sich selbst nicht Halt macht und spürbare Liebe für die

Sache – WTG sind die maskierte Antithese zur Hybris des schnelllebigen Musikgeschäfts.

Jenny Thiele hat einen Crush auf das Zusammenlegen von Ideen und Ressourcen - sich inspirieren, sich ausprobieren. Mit Irene Novoa unterhält sie das Duo AnnaOtta – auf ihrer gemeinsamen musikalischen Forschungsreise emulieren die beiden hypnotischen Jazz mit elektronischen Mitteln, machen Avantgarde tanzbar. Und wie! Zudem sieht sich Jenny Thiele über viele Jahre fest (und zuletzt noch mal lose) verschaltet mit der Band Fortuna Ehrenfeld. Ja, genau, der charismatische Act mit dem Typ in Stola, Puschen und Schlafanzug. Das letzte Kommando. Allein durch Fortuna Ehrenfeld stieg Jenny Thieles Konzert-Count in schwindelerregende Höhen.

2022 erscheint dann endlich ihr eigenes Album „Killing Time“ - mit englischsprachigen Texten. Die begeisterte Resonanz, die ihr eigenes Songwriting im Außen auszulösen vermag, fühlt sich toll an. Denn obwohl sie schon immer Musik selbst schreibt, öffnet „Killing Time“ ganz neue Räume. Der reduzierte Sound lässt die emotionalen Singer-Songwriter-Stücke gleichermaßen pointiert wie sanft erscheinen. Jetzt kann es echt losgehen. Und so fungiert diese Platte auch als eine Art Schleuse. Jenny Thiele kann von diesem Punkt nun ihre eigene Legacy von all dem wuseligen Davor abgrenzen. Parole: Platz schaffen. Denn der ist nötiger denn je. Und zwar für ein Album, das 2025 erscheinen wird. Das erste richtig große Ankommen nach all den Aufbrüchen, heißt: „Platz“. Adrenalin!

Die BamBamBand sind: Beate Sauter - Gesang und Gitarre, Martin Norz - Gesang und Gitarre, Jens Eberhardt - Klavier, Michael Stadel - Schlagzeug, Linus Wöllhaf - Geige und Christof Speiser - Bass Allesamt keine unbekannten MusikerInnen in der Region. Hier treffen sich Musikbegeisterte aus unterschiedlichen Genres von Blues, Country, Rock, Pop, Klassik bis hin zu Independence, Funk und Singer Songwriter Musik.

Auf der kommenden Tour verknüpfen RAINER VON VIELEN diese neuen Klangwelten mit der ungestümen Energie ihrer legendären Live-Performances. Das Ergebnis: nachhaltige Zerstreuung, regenerative Euphorie und die globale Erwärmung des Weltfriedens – alles an einem Abend. Wer dabei ist, erlebt eine musikalische Umarmung, die aufrüttelt, befreit und lange nachhallt.

Ticket sichern, Kopf und Herz weit aufmachen – RAINER VON VIELEN live ist nicht einfach ein Konzert, sondern ein kollektiver Befreiungsschlag.

Musikalisch inspiriert von Bands der britischen Invasion der 60er Jahre und Künstlern wie Tom Waits, Blur, Randy Newman und Queens Of The Stone Age und mit Texten, die von der amerikanischen Literatur des 20. Jahrhunderts, insbesondere der Beat Generation und dem Gonzo-Journalismus, beeinflusst sind, lassen sich Tankus nicht in eine Schublade stecken.

In Anlehnung an die unermüdlich tourenden Bands der späten 1960er Jahre fragen Tankus The Henge, was eine Band überhaupt ist. Sie ist live, sie ist originell, sie ist niemandem Rechenschaft schuldig. Für diese eine wilde Nacht voller Lichter, Sound und überwältigender Emotionen, um dann mit Reifenspuren im Staub in die Nacht zu rauschen. Mehr als 1.000 Auftritte sind absolviert, und es gibt keine Anzeichen dafür, dass sie langsamer werden.

Nach der Veröffentlichung von Luna Park! im Jahr 2020 (produziert von Gethin Pearson) beginnt die Band mit der Arbeit an Album #4 und wird ihre Arbeit in Zusammenarbeit mit visuellen Künstlern fortsetzen, um ihre einzigartige Welt des Geschichtenerzählens zu erweitern.

Besetzung: Jaz Delorean (voc, keys, trb); Jack Price (git); Joao Mello (sax, keys, voc); Russell Evans (trb); Dan Hipkin (b); Joao Taborda (dr)

Ihr aktuelles zweites Album Gift von 2024 kommt mit differenzierterem Songwriting daher, ohne auch nur im Ansatz weniger wütend zu klingen. Das Album ist zornig, politisch und nie um große Melodien verlegen. Auf „Gift“ verdichtet sich, was sich auf „Stress“ bereits angebahnt hat, und es ist ein eklektisches Album entstanden, irgendwo zwischen IDLES, PIXIES, PABST und MELVINS, das auf kühne Art und Weise den Sound alter Idole dekonstruiert und in zeitgemäßem Gewand wieder zusammensetzt.

Fuzz und Distortion sind omnipräsent, die Stücke strahlen eine gefährliche Angepisstheit aus und gehen obendrein auch noch total ins Ohr, so als ob X, Amyl, Hole, White Lung und L7 eine Coop-Platte aufgenommen hätten.

Mit ihrem hochgelobten, 2021 veröffentlichten Debüt Album „Stress“ (Noisolution) haben 24/7 DIVA HEAVEN eines unmissverständlich klargemacht: Sie sind gekommen, um zu bleiben. Oder um es mit den Worten des „Classic Rock“ Magazins zu sagen: "Auf Krawall gebürstet. Relevant. Großartig. Punkt."

Die Band ist nicht nur im Proberaum und auf der Bühne aktiv, sondern zeigt politisches Engagement, u.a. als Gründerinnen des Berliner Kollektivs GRRRL-NOISY, das Jam-Sessions und Festivals organisiert und einen Ort der Vernetzung für FLINTA Musiker:innen und Musikfans bietet.

Dumb Bats: Ihre Songs spiegeln die Liebe der Band zu schnellem Punkrock mit rotzigem Gitarrensound und pun- chy Rhythmsections kombiniert mit der ungebremsten Power der Rock’n’Roll-Energie. Dabei treffen eingängige Hooklines im Stil von The Interrupters auf die kompromisslose Bühnenpräsenz von The Baboon Show, während Alternative-Einflüsse à la Guano Apes und die rohe Garage-Attitüde von The Hellacopters für einen ganz eigenen Sound sorgen.

Phantastische Uniformen, skurrile Rituale, retrofuturistische Tänze – der Strippenzieher hinter dieser irren Pop-Inszenierung trägt Muskel-Shirt und Sonnenbrille – und hat ein verschmitztes Lächeln. Denn ganz so ernst nimmt sich Kadebostany, der selbsternannte Präsident der kleinen Republik Kadebostan nicht. Die sagenhafte Pop-Republik liegt nördlich von Italien, östlich der Schweiz und westlich von der Türkei, erklärt er. Kadebostany wird von den verschiedensten Talenten bevölkert, von Sängerinnen und Sängern, von Instrumentalsten und Visual Artists. Aber alle Fäden laufen in dem musikalischen Superhirn zusammen: Kadesbostany komponiert die Songs, er produziert sie und er entwickelt das visuelle Konzept und die spektakulären Liveshows. Kadebostany trat bei einer Vielzahl von Festivals auf und gab ausverkaufte Konzerte in fast allen großen, europäischen Städten.

Unter der Flagge der konzeptuellen Republik Kadebostany hat Kadebostany mit seiner einzigartigen Marke von Popmusik, seiner unverwechselbaren visuellen Identität und seinen kolossalen Live-Auftritten schnell Aufmerksamkeit erregt. Die Songs von Kadebostany haben mehr als eine Milliarde Aufrufe auf YouTube erreicht, die Charts in mehr als 30 Ländern angeführt, mehr als 700 Live-Auftritte in mehr als 25 Ländern in den letzten Jahren absolviert und wurden von der internationalen Presse wie Vice, GQ, Spin, American Songwriter, CNN, Rolling Stone, Vogue, MixMag, EDM.com, Run The Trap, Time Out, Marie Claire... gefeiert.

Kadebostany ist mit zahlreichen Charterfolgen wie „Castle in the Snow“, „Mind if I Stay“, „Early Morning Dreams“, „Walking with a Ghost“, „Save Me“, der neuen Version von Beyoncés „Crazy in Love“ (50 Shades of Grey) oder zuletzt „Wild in Secret“ durch die Decke gegangen.

The thread that binds CRIPPLED BLACK PHOENIX’s bold and towering discography — a dozen studio albums, a half-dozen mini-albums, a handful of compilations and swaths of bootlegs — could not be more apropos circa 2022. Since its 2004 creation by multi-instrumentalist and songwriter Justin Greaves, CRIPPLED BLACK PHOENIX has served as the voice for the voiceless, whether it be animals, the unequal and the different. Greaves and longstanding vocalist and lyricist Belinda Kordic have often proffered that these beings cannot fend for themselves. Henceforth, CRIPPLED BLACK PHOENIX’s mission has been to shed light on the human condition and the inequalities that befall humankind and its creatures. Their battle marches on with their latest studio album, Banefyre. Banefyre follows 2020’s Ellengæst — an effort that found CRIPPLED BLACK PHOENIX employ a series of notable guest vocalists alongside Kordic, prompting Metal Hammer to describe it as their “most cohesive and emotionally devastating record.” Kordic is now paired with Swedish vocalist Joel Segerstedt, who made his CRIPPLED BLACK PHOENIX debut last year via the “Painful Reminder/Dead is Dead” single. Piano, synth and trumpet player Helen Stanley and additional guitarist Andy Taylor complete the lineup. Greaves says Stanley and Taylor “fit so well creatively,” which has made CRIPPLED BLACK PHOENIX feel like a band when making plans and decisions. Also central to this is Segerstedt. According to Kordic, the vocalist and lyricist lives a mere five minutes from her in Sweden and has quickly integrated himself into the band. “What I like about Joel is that he’s a good person,” she says. “There’s no fakeness with him; he has cajones. He’s not a bitch- talker, either. I can’t handle people who don’t have a backbone, but Joel is real and can speak his mind.” “I like how Joel has come in and spoke for himself,” adds Greaves. “He’s in the band for the right reasons. I see him the same way as Belinda — she took an interest in the whole artistic thing behind CRIPPLED BLACK PHOENIX, like the vocals, lyrics, artwork and aesthetic. It’s the same with Joel. He has taken an interest in all of those things. In the past, we had people who didn’t contribute artistically and only cared about what they got out of the band. But Joel is really proactive and takes the initiative.” Greaves assembled 13 songs (including “No Regrets,” a bonus track for his new project with Kordic, Johnny the Boy) imbued with the depth and introspection that will reinforce CRIPPLED BLACK PHOENIX’s standing as a band that defies genre. The album was tracked at Chapel Studios in South Thoresby, Lincolnshire, with vocals cut at Monolith Studio and Kapsylen Studio in Stockholm, Sweden. Kurt Ballou handled mixing in GodCity Studios in Salem, Massachusetts — a pivotal move in determining the album’s overall sound. “I love the album so much because it was a different approach with the production,” says Greaves. “For my part, it was a little bit of a reaction. I didn’t want to do the same warm, safe CRIPPLED BLACK PHOENIX album. I’m aware that when we did [2012’s] I, Vigilante, everyone wanted I, Vigilante again. As it so often happens with this band, people complain about the next one, then growinto it. Ellengæst is like I, Vigilante. It’s a shorter album. It hit the mark and was done really well, but everyone will expect another Ellengæst. I feared that, but I care enough not to make another Ellengæst. It’s the right thing to do. That’s why we got Kurt to mix it — we wanted that analog, raw power. Even though the album has mellow moments, those are edgy as well. We just didn’t want to do the same album twice. We’re never going to be a band that people can rely on.” Greaves’ summation of his band notwithstanding, his distinctive guitar playing and enduring knack for immersive songwriting is the propellent behind the haunting, chant-laden “Ghostland,” pensive “The Reckoning” and forlorn “Everything is Beautiful but Us,” the band’s spot-on analysis of the retreat of humankind indoors during the pandemic that revealed nature’s priceless beauty. The album is also stocked with no less than four ten-minute-plus cuts (“Rose of Jericho,” “Down the Rabbit Hole,” “I’m Okay, Just Not Alright” and “The Scene is a False Prophet”) that are intermixed with drama and melancholy. It all ties into Banefyre’s central theme of the persecution of people who are deemed “different” by society. The album title is a play on the song “Bonefire” that Kordic named and wrote lyrics for. In classic CRIPPLED BLACK PHOENIX fashion, Greaves turned it into the Olde English translation to represent the bonfires that engulfed witches and politicians through the 15th and 18th centuries, hence, the name Banefyre. The album begins with “Incantation for the Different,” which was written and orated by Chicago- based witch, artist, author and occultist Shane Bugbee, who, according to Greaves, “brought us some positive, dark energy.” Banefyre then delves into the Salem Witch Trials (“Wyches and Basterdz”), fox hunting in Great Britain (“The Reckoning”), politicians of an unscrupulous and dishonest kind (“Bonefire”) and the New York City Blackout of 1977 (“Blackout77”). Greaves says Banefyre’s topics may have a decidedly negative and pessimistic tone, but a glimmer of hope and joy remains. “There’s always the random bits, but overall, Banefyre is about the people who have suffered because they are different. The album covers inequality and oppression, like ‘Incantation for the Different,’ which is about overcoming when you’re put down because you’re not like everyone else.” In true CRIPPLED BLACK PHOENIX fashion, the Lucy Marshall-created Banefyre cover leaves plenty to the imagination, depicting four animals seated at a table — interacting and dressed like human beings. “It’s sort of like Planet of the Apes showing what animals could do to humans,” says Greaves. “The cover was specially commissioned and is unique to the album. It’s incorporating all the classic CRIPPLED BLACK PHOENIX elements with the love for animals and twisting the narrative around.” CRIPPLED BLACK PHOENIX’s reputation was built on the back of their studio albums and live shows. The pandemic prevented the band from supporting Ellengæst, but it did provide them additional time to bring in new members to their live configuration. “We’ve done one show since 2019,” says Greaves. “We are going to do something in Europe this year. Hopefully, we can get back on track. We’re also going to do something in the States — that’s not just talk, we’re actually going to do it. It’s well overdue. The live band is fucking amazing. We have the five of us and now we have Jordi [Farré] on drums, Paco [Fleischfresser] on synth and a really good friend of mine, Matt Crawford on bass. “We did the Leipzig show and even though the rehearsals were better than the show itself, that lineup, our live band, is so good. Because we haven’t been under pressure to put a live band together since 2019 and spent so long talking to people, we’ve got a better band from those results. Out of disaster, we’ve got quite a good, positive thing.”

Our Roots Run Deep von 2023 war das erste Statement einer neuen Trilogie von Dominique und folgt auf ihre preisgekrönte Trilogie Nameless, Stay Tuned! und Three Little Words. In dieser neuen Trilogie blickt Dominique nach innen und reflektiert über ihre eigene emotionale und spirituelle Landschaft – ihre Wurzeln. Während ihre letzte Trilogie die Geschichte der afroamerikanischen Musik zum Thema hatte, ist der Ansatz für das neue Album persönlicher.

Über die Entstehung von Our Roots Run Deep sagt Dominique: „Während das Ziel die Suche nach einer universellen Verbindung durch musikalische Frequenzen bleibt, brachte mich diese innere Reise schnell zur Bedeutung meiner Wurzeln. Sie entfachte den Wunsch, unsere generationenübergreifenden Schätze zu beleuchten, anstatt das Trauma zwischen den Generationen zu behandeln und diese Schätze zu nutzen, um das Trauma zu heilen. Indem ich offener und verletzlicher bin, hoffe ich, mit gutem Beispiel voranzugehen und dazu beizutragen, Tabus im Zusammenhang mit psychischer Gesundheit abzubauen, Tabus, die auch heute noch sehr präsent sind, insbesondere in BIPoC-Gemeinschaften.“

Bees Made Honey in the Vein Tree sind eine Post-Doom Band aus Stuttgart. Seit sie sich 2014 gründeten sind die Kontraste zwischen hell und dunkel, laut und leise, schnell und langsam untrennbarer Teil ihrer Musik geworden. Die Kompositionen vereinen brachiale Doom Riffs mit sphärischen Post-und Psychedelic Rock mit Ausflügen in Shoegaze. Darüber wird stark verhallter Gesang gelegt, der die Rolle eines weiteren Instruments einnimmt und der Musik Weite und Ästhetik verleiht, sowie durch die metaphorischen Texte eine visuelle Ebene schafft.
Ihr 2017 auf Pink Tank Records erschienenes Debütalbum Medicine vereint mehrere Genres miteinander und liefert dadurch ein abwechslungsreiches Hörerlebnis, welches einer Reise durch die verschiedenen Spielarten des Psychedelic Rocks gleicht. Zwei Jahre später waren die vier Stuttgarter mit ihrem zweiten Album Grandmother (Pink Tank Records) auf Tour, welches mit deutlich härterem Klang, schnelleren Passagen und tiefergestimmten Gitarren überzeugt, aber durch gleichzeitige effektbeladene Gitarren-Soli Räume schafft, in die es sich einzutauchen und verlieren lohnt. Mit "Aion" - das im August 2023 auf Magnetic Eye Records erschien - streben die Bees einen expansiveren und vielfältigeren Sound an, der Elemente von Ambient und Field Recording einbezieht, während sie dem Gesang eine prominentere Rolle als auf den vorherigen Alben einräumen.

Auf die Frage „Wer spricht hier?“ müsste man antworten: Hier spricht das talentierte, kreative Berlin im Alter zwischen 28 und 34, was sich, wie in jeder neuen Lebensphase, konfrontiert sieht mit der Frage, welche verdammten Weichen es einem solch fluide Leben überhaupt stellen soll. Wie geht die angebliche „Rush Hour des Lebens“ als von einer Pandemie teilweise übel ausgebremster, umtriebiger Musiker?

Dieses Album ist Zeuge der Lücken der Zwecksoptimierung und beweist, dass es anarchische Gedanken und Gefühle im Leben auszuhalten gibt, bei denen auch keine Instagram-Parole hilft.

Lieber stellen Odd Couple uns jede Menge Fragen. Zwischen der Frage, ob man Vater werden soll, und dem plötzlichen Verlust des eigenen. Zwischen der Sehnsucht nach etwas Bleibendem und der Erkenntnis, dass die Jahre – diese Rush-Hour – wie im Fluge vergehen, ohne dass man vielleicht jemals ankommt. Odd Couple entblößen hier auch ihre Verletzlichkeit. Sie singen von Berlin, dieser Stadt, die alles sein kann und doch oft nichts ist – außer ein Ort, an dem man tapfer seine Freiheit aushält und nicht wissen kann, ob es nun der Ort für immer ist oder am Ende eine Phase sein wird.

Vier Jahre haben die Ideen für dieses Album herumgegeistert, in den Köpfen der beiden Musiker, durch ihre Festplatten und schließlich quer durchs Land, wurden hin und her geschickt, zwischen Berlin und Köln. Ein Flickenteppich aus Fragmenten, aus dem Tammo und Jascha wie wahre Alchemisten ein großes Ganzes zusammengesetzt haben. Aber nicht im Sinne einer glatten Produktion, sondern in der Aufrichtigkeit eines Demo-Albums, das die Intimität eines heimischen Studios atmet. Es gibt keine Hochglanzfassade, keine aufpolierte Perfektion – und das ist Absicht.

Überhaupt sind es glänzende Gedanken, die Odd Couple hier mit uns teilen. Ich meine, wer kommt auf Titel wie „Häuser sind blöd“? Starke Garage-Rock Gebilde treten hier den Beweis an, dass externe Produzenten heutzutage froh sein können, wenn sie von Bands wie Odd Couple und ähnlichem Kaliber überhaupt noch angefragt werden. Die musikalische Landschaft dieses Albums ist fragmentiert, wie das Leben selbst. Hier wird nichts geglättet, hier wird nichts zurechtgebogen – und das beflügelt beim Hören ungemein. Es ist ein Füllhorn aus unbändigem Spaß am Produzieren und vielleicht irgendwo aus dem Äther gefallenen Texten, die beinahe magisch einen Sinn ergeben, dass es die Band manchmal selbst überrascht hat.

Die Produktion ist verspielt, muskulär und spektral. Die Drumspuren wurden mit zwei Mikrofonen aufgenommen, die Gesangsspuren teilweise direkt vor dem Rechner eingesungen. Olaf Opal, der alte Freund und Produzent, brachte seine Magie diesmal untypisch dezent in die Produktion, ohne den Kern der Unmittelbarkeit zu ersticken. Manche Dinge sind einfach nicht tot zu kriegen. Die Liebe zum Basteln, die großen Fragen ans Leben wie „Bin ich hier richtig?“ oder die Leidenschaft für Rockmusik bleiben durch Alben wie dieses ein Refrain der Menschheit, ein Kehrvers, den wir immer wieder mit neuen Stimmen wiederholen können und dem wir in Odd Couples Fall betört zuhören. Diese Platte erdet, erregt und beflügelt. Wenn man Glück hat schlägt ein Herz in einem Album - in diesem hier schlagen gleich zwei.

2022 erscheint „Emilie“ als Urknall-Single, die erste EP „Fühlst du dich allein“ landet im März `23 und Support-Slots für Ok Kid, Mayberg, Betterov oder JEREMIAS folgen. LENA&LINUS verkaufen ihre erste Headliner-Tour aus und finden sich auf unzähligen renommierten Festival-Bills wieder. Im September `23 schließt sich EP #2 „Sekundenschlaf“ und 2024 die zweite Tour an: Mit Band auf der Bühne und lust for live spielen LENA&LINUS Sets zwischen druckvoll und zärtlich. 2025 peakt schließlich für LENA&LINUS, denn ihr langerwartetes Debüt-Album „Wir verglühen“ erscheint im März!

Die Songs darauf sind der ein coming of age-Soundtrack, der sich irgendwo zwischen den melancholischen Weiten des Universums, intimen Momenten des Alltags, sehnsüchtiger Wehmut und Jugend-Nostalgie abspielt. LENA&LINUS‘ Lieder sind ehrlich, direkt und tragen die Schwere und Leichtigkeit des Wachstumsschmerzes der Jugend in sich. „Unsere Lieder sind genauso geschrieben, wie wir es auch sagen würden“, betont das Duo, und das fühlt man auch. Jeder einzelne LENA&LINUS-Song ist ein vertrauter Dialog zwischen zwei Freunden, die einander ihr Innerstes und Heiligstes anvertrauen. Und genau so entstehen auch ihre Songs: zu zweit, intim, im WG-Zimmer.

Daher verwundert es nicht, dass sich „Wir verglühen“ anhört wie Momentaufnahmen aus Selbstgesprächen und Freundschafts-Dialogen, in denen man gemeinsam über vergangene Abenteuer, verlorene Momente und die Suche nach Identität reflektiert. Dabei wechseln sich nachdenkliche Texte mit euphorischen Melodien ab – und schaffen es, den ungreifbaren Prozess des Erwachsenwerdens, den jeder durchläuft, aber nur die wenigsten beschreiben können, fassbar zu machen.

Die Band, bestehend aus Stavros Dzodzos (Gitarre, Gesang), Marco Mottolini (Bass) und Maxime Cosandey (Schlagzeug), ist bekannt für ihre hypnotisierenden Live-Performances mit schamanischer Bühnenpräsenz und instrumentaler Virtuosität. Ihr aktuelles Album „Dreaming in Dystopia“ (2023) setzt ihre musikalische Evolution fort, die sie mit Alben wie „Western Lies“ (2017) und „DSM-III“ (2022) begonnen haben.

Dirty Sound Magnet verspricht eine unvorhersehbare Show voller Rockstar-Charisma, poetischem Gesang und mitreißender Dynamik – ein Muss für Fans von kreativem, grenzüberschreitendem Rock.

Live entfalten ENGIN ihre volle Wucht: eine mitreißende Performance, die an die rohe Spielfreude und Originalität großer Acts der 70er erinnert, dabei aber einen frischen, zeitgenössischen Vibe versprüht und eine klare Haltung transportiert. Ihr Sound schafft mühelos den Spagat zwischen Nostalgie und Jetztzeit und öffnet Räume für Begegnung, Energie und Gemeinschaft.

Federale: Düstere Songs mit einem Hang zum Filmischen treffen auf Gothic-Landschaften der 80er Jahre und italienische Fuzz-Freakouts. Das sechste Studioalbum von Federale, Reverb and Seduction von 2024, markierte das 20-jährige Jubiläum der Band und zeigte, dass sie über die Grenzen von Ennio Morricone hinausgehen können. Diese Offenheit für ein breiteres Spektrum an Einflüssen erinnert an Sisters of Mercy, Goblin (den italienischen Prog-Rockern, die den Soundtrack zu Suspiria geschrieben haben) und vielleicht sogar ein wenig an Depeche Mode, sie leihen sich den Fuzz und das Feedback von BJM und The Electric Prunes.

Es sind immer noch viele der kinoreifen Soundscapes zu finden und auch die Filmindustrie wurde auf die Band aufmerksam: Ein Song war im Trailer zu dem Film „Banshees Of Inisherin“ mit Colin Farrell und Brendan Gleeson zu hören sowie im Thriller „Mona Lisa & The Blood Moon“ mit Kate Hudson und in der Schweizer Action-Komödie „Mad Heidi“.

Hollow Ship ist eine vierköpfige Psychedelic-Rock-Band aus Göteborg, Schweden, die für ihre dynamische Fusion aus frühen britischen Psych-Sounds, Afro-Rock-Rhythmen und jazzigen Improvisationen bekannt ist.

Ihre Musik zeichnet sich durch komplexe instrumentale Erzählungen, eine organische Live-Energie und die Bereitschaft aus, Genregrenzen zu überschreiten. Der Ruf der Band ist seit ihren Anfängen stetig gewachsen, angetrieben von ihrem unverwechselbaren Sound und ihren mitreißenden Live-Auftritten. Mit ihrem rhythmischen, experimentellen Ansatz, der Vergleiche mit Acts wie Dungen und Goat hervorruft, hat sich Hollow Ship als wichtiger Akteur in der zeitgenössischen Psychedelic-Rock-Szene etabliert.

Ihre neueste Veröffentlichung, die Animated Music Vinyl EP von 2024, via PNKSLM Recordings, ist ein Beispiel für ihr instrumentales Können und ihr tiefes musikalisches Zusammenspiel, das ursprünglich als Teil ihrer Live-Kollaboration „Space Motion“ mit dem bildenden Künstler Freddy Wallin entstanden ist.

Support: Megan Diana ist Vorreiterin eines neuen Genres: Dream Country Disco. Was bedeutet das? Man nehme sein Lieblings-Vintage-Keyboard – hallo Wurlitzer, hallo Fender Rhodes –, schalte es durch ein Echo-/Delay-Pedal, füge üppige, verträumte French-Horn- und Gesangspassagen hinzu, verankere das Ganze mit Retro-Drum-Grooves und kröne das Ganze mit einer Pedal-Steel-Gitarre mit Space-Echo. Ihr Debütalbum „Women in My Head” erschien 2018, ihr zweites Album „Cabin Fever” wurde im Oktober 2023 veröffentlicht. Megan ist meist auf Tournee um die Welt anzutreffen, wo sie mit üppigen Fransen und traumhaften musikalischen Vibes begeistert.

Buntspecht sind eine mitreißende Live-Band, wer sie einmal gesehen hat, wird das nicht wieder vergessen. Beinahe jeder ihrer Songs öffnet ein neues Universum, weist in eine andere Richtung, aber alle zusammen bilden sie auf nahezu magische Weise eine Einheit, ein homogenes Werk. Buntspecht gelingt es, aus der Vielzahl ihrer Einflüsse ein stimmiges Ganzes und somit einen zauberhaft schwelgerischen Indie-Kammerpop-Sound zu formen. Niemand klingt aktuell wie Buntspecht. Sie sind ganz allein da draußen.