Electronic

Jenny Thiele hat einen Crush auf das Zusammenlegen von Ideen und Ressourcen - sich inspirieren, sich ausprobieren. Mit Irene Novoa unterhält sie das Duo AnnaOtta – auf ihrer gemeinsamen musikalischen Forschungsreise emulieren die beiden hypnotischen Jazz mit elektronischen Mitteln, machen Avantgarde tanzbar. Und wie! Zudem sieht sich Jenny Thiele über viele Jahre fest (und zuletzt noch mal lose) verschaltet mit der Band Fortuna Ehrenfeld. Ja, genau, der charismatische Act mit dem Typ in Stola, Puschen und Schlafanzug. Das letzte Kommando. Allein durch Fortuna Ehrenfeld stieg Jenny Thieles Konzert-Count in schwindelerregende Höhen.

2022 erscheint dann endlich ihr eigenes Album „Killing Time“ - mit englischsprachigen Texten. Die begeisterte Resonanz, die ihr eigenes Songwriting im Außen auszulösen vermag, fühlt sich toll an. Denn obwohl sie schon immer Musik selbst schreibt, öffnet „Killing Time“ ganz neue Räume. Der reduzierte Sound lässt die emotionalen Singer-Songwriter-Stücke gleichermaßen pointiert wie sanft erscheinen. Jetzt kann es echt losgehen. Und so fungiert diese Platte auch als eine Art Schleuse. Jenny Thiele kann von diesem Punkt nun ihre eigene Legacy von all dem wuseligen Davor abgrenzen. Parole: Platz schaffen. Denn der ist nötiger denn je. Und zwar für ein Album, das 2025 erscheinen wird. Das erste richtig große Ankommen nach all den Aufbrüchen, heißt: „Platz“. Adrenalin!

Support: Sofiko

In einer Zeit böser, mächtiger Männer und einer ziemlich deprimierenden Weltlage ist Sofikos Umgang mit fiesen Typen und negativen Gefühlen wie eine Umarmung für die Seele. Sofikos Songs sind persönlich, oft humorvoll und sehr direkt; mit musikalischen Einflüssen aus Liedermacher, Hamburger Schule und punktuell auch Punk ergibt sich ein Sound, den Kenner auch „neue deutsche Leichtigkeit“ nennen. Sofiko ist quasi die Rache der kleinen Frau am Establishment, wobei der Spaß an Musik und kecken Wortspielen stets an erster Stelle steht. Nach Burnern wie „Spooky“ und „Thomas“ erschien im vergangenen Jahr die erste Studio-EP“ Alleine“.  Seit 2025 spielt Sofiko als fünfköpfige Band, dieses Mal in kleiner Besetzung mit Sophia Kirner und Derek Hummel.

Obwohl die Gruppe zahlreiche Studio- und Live-Aufnahmen veröffentlichte, lernten viele ihrer Fans Tangerine Dream durch ihre Filmmusiken kennen, von denen es insgesamt über sechzig gibt, darunter Sorcerer (William Friedkin), Thief (Michael Mann), Risky Business, The Keep, Firestarter, Legend (Ridley Scott), Near Dark (Kathryn Bigelow), Shy People und Miracle Mile. Im Jahr 2013 komponierte Tangerine Dream die Originalmusik für das Videospiel Grand Theft Auto V von Rockstar und gewann den begehrten VGX-Award für den besten Soundtrack in einem Spiel.

Insgesamt erhielt Tangerine Dream in den letzten Jahrzehnten sieben Grammy-Nominierungen für ihre einzigartigen Kompositionen. Nach dem Tod von Edgar Froese im Jahr 2015 besteht Tangerine Dream nun aus Thorsten Quaeschning (seit 2005) als musikalischem Leiter, Hoshiko Yamane (seit 2011) und Paul Frick (seit 2020). Letzterer ersetzte Ulrich Schnauss, der die Band 2019 nach fünf Jahren verlassen hatte. Die Band ist nun zum klassischen sequenzergesteuerten Sound zurückgekehrt und Quantum Gate (2017) ist ihr meistverkauftes Album seit 1987. Tangerine Dream trat kürzlich live beim Dekmantel Festival Amsterdam, in der Elbphilharmonie Hamburg und in der Barbican Hall in London auf. Jede Performance endet mit einer Live-Session, einer Echtzeitkomposition, die zwischen 20 und 45 Minuten dauern kann.

Ihr aktuelles Studioalbum „Raum“ erschien im Februar 2022 und wurde auf ihrer Tour „From Virgin to Quantum Years“ vorgestellt. Das Album stieg unter anderem auf Platz 39 der deutschen Albumcharts und auf Platz 1 der offiziellen britischen Dance-Albumcharts ein. „Raum“ ist das erfolgreichste Album der Band seit den 1980er Jahren und wurde von der Presse hoch gelobt („Das beste Tangerine-Dream-Album seit Jahrzehnten“ – Resident Advisor). Derzeit arbeitet die Band an ihrem dritten Studioalbum nach dem Tod von Edgar Froese und feiert ihr umfangreiches Musikrepertoire live mit ihrer CONTINUUM TOUR 2026 rund um den Globus.

Wichtige Hinweise für unsere Gäste:

• Keine Schirme erlaubt: Aufgrund von Verletzungsgefahr und Sichteinschränkungen sind Schirme auf dem Gelände nicht gestattet. Bitte bringen Sie bei Regen einen geeigneten Regenschutz mit.

• Essensstände: Auf dem Veranstaltungsgelände finden Sie verschiedene Essensstände.

• Mitbringen von Getränken und Speisen: Das Mitbringen von eigenen Getränken und Speisen ist nicht erlaubt.

• Verzicht auf größere Taschen: Wenn möglich, verzichten Sie bitte auf größere Taschen und Rucksäcke, um die Sicherheitskontrollen zu erleichtern.

• Foto- und Videokameras: Professionelle Foto- und Videokameras dürfen nicht mitgeführt werden. Handy- und Pocketkameras sind jedoch erlaubt.

• Awareness-Hinweis: Auf dem Veranstaltungsgelände steht Ihnen unser Awareness-Team jederzeit zur Verfügung. Bitte wenden Sie sich an unser Team, wenn Sie Unterstützung benötigen oder unangenehme Situationen erleben.

RUE OBERKAMPF
Die deutsch-französische Electro-/EBM-Formation Rue Oberkampf bringt ihre energiegeladenen, neon-dunklen Klangwelten auf die Bühne! Mit treibenden Beats, atmosphärischen Synthflächen und einer Performance voller Sinnlichkeit und Spannung erschafft die Band eine elektrisierende Mischung aus Darkwave, Techno und New Wave. Songs wie “Hope and Fear”, “Solitude” oder “ Deine Augen” haben Rue Oberkampf zu einem der aufregendsten Acts der aktuellen Underground-Clubszene gemacht. Live vereinen sie pulsierende Rhythmen, ekstatische Vocals und eine visuelle Ästhetik, die jede Show zu einem intensiven Erlebnis macht.

DUCTAPE
Die türkische Dark-Wave/Shoegaze-Sensation Ductape kommt auf die Bühne und bringt ihren unverwechselbaren, melancholisch-treibenden Sound endlich live zu uns! Das Duo aus Istanbul verbindet pulsierende Post-Punk-Rhythmen mit hypnotischen Gitarrenflächen und eindringlichem Gesang – ein Klang, der zugleich roh, emotional und absolut mitreißend ist. Mit Songs wie “Veil of Lies”, “Red Scar” und ihrem aktuellen Album, das international gefeiert wird, hat sich Ductape in kürzester Zeit zu einem der spannendsten Acts der alternativen Musikszene entwickelt. Ihre Shows sind intensiv, atmosphärisch und hinterlassen garantiert Gänsehaut.

STAHLNETZ
Die legendäre Neue-Deutsche-Welle-Band Stahlnetz kehrt zurück auf die Bühne – mit ihrem unverwechselbaren Mix aus elektronischen Beats, kantigen Gitarren und klarer 80er-Attitüde! Erlebt die Musiker, die mit ihrem einzigartigen Sound und Songs wie „Vor all den Jahren“ eine ganze Ära geprägt haben, endlich wieder live.

PHILEAS FOGG
Phileas Fogg sind eine deutsche (Post-)Punk-Band aus Baden-Württemberg. Benannt nach der Hauptfigur aus Jules Vernes „In 80 Tagen um die Welt“ steht die Band seit ihrem Debüt „Kopf, unten“ für einen eigenständigen Sound zwischen kühler Dringlichkeit und existenzieller Klarheit. Mit dem aktuellen Album „ALLESMUSSSEINENDEFINDEN“ zeigen sie, dass Punk nicht laut sein muss, um relevant zu bleiben: klare Strukturen, kantige Riffs, minimale Elektronik und eine sachliche, beinahe dokumentarische Erzählweise. Ihre Texte kreisen um Verlust, gesellschaftliche Leere und Angst – ohne Pathos, aber mit Haltung.

Drei international erfolgreiche Studioalben und einige EPs zeugen von ihrem Ansatz. Im Mai 2020 feierte die Band ihr zehnjähriges Jubiläum mit dem Remix-Album „X”, das Remixe von Boy Harsher, The Soft Moon, Clan of Xymox, Front 242, Lebanon Hanover und vielen anderen enthält.

Nach wie vor erwartet den Konzertbesucher diese unnachahmliche Melange aus coolen Clubsounds, Psychedelic Pop und NuJazz die als druckvolle Liveversionen der besten HATTLER Titel zu Gehör gebracht werden. Hellmut Hattler dazu: „Wir sind eine echte Live-Band und es geht bei unseren Konzerten immer, und ohne Beweislast, nur um Musik, Rhythmus und alles was Gehirnzellen und Füße bewegt“. Das Ganze wird zusätzlich von perfekten Live-Videoprojektionen unterstützt – kurz:

HATTLER Musik ist kraft- und druckvoll, aber auch sehr smooth & mellow, mit einem sicheren Gefühl für besondere Melodien, die einem nicht mehr aus dem Kopf gehen wollen. Durchweg intelligente und vor allem absolut eigenständige Unterhaltung die fast immer auch tanzbar ist - und seit vielen Jahren auf den angesagtesten Lifestyle- und Lounge- Compilationalben zu finden ist.

Diese einerseits musikalisch-technische und andererseits menschliche Mischung "funk"tioniert, ja, mehr noch, sie ist musikalisch hochexplosiv. Das beweisen nicht nur die genannten Alben, sondern das zeigen auch die alljährlichen Tourneen, die die Band wiederholt auch auf Festivals in Asien gebracht hat.

Dieses Jahr wird das 25-jährige Bestehen der Band mit einer Tournee und der Veröffentlichung eines Best-Of-Albums mit dem Titel “Happy Birthday Baby“ mit ganz neuen, den erfolgreichsten und mit bislang unveröffentlichten Live-Titeln gefeiert.

HATTLER Live Line Up: Fola Dada: Vocals - Torsten de Winkel: Guitar - Oli Rubow: Drums - Hellmut Hattler: Bass

Tamikrest ist eine der bedeutendsten Sahara-Rockbands der Gegenwart, gegründet 2006 von Ousmane Ag Mossa, Cheikh Ag Tiglia und Aghaly Ag Mohamedine im abgelegenen Tinzawaten an der Grenze zwischen Algerien und Mali. Inspiriert von den Pionieren des Tuareg-Rocks, Tinariwen, und angetrieben vom Wunsch, der unterdrückten Stimme der Kel Tamasheq (Tuareg) eine globale Bühne zu geben, entwickelte die Band schnell einen eigenen, unverwechselbaren Sound.

Ihre ersten beiden Alben, Adagh (2010) und Toumastin (2011), zeigten bereits ihr außergewöhnliches Gespür für eingängige Melodien und tiefgründiges Songwriting. Mit dem Einstieg des französischen Gitarristen Paul Salvagnac für das dritte Album Chatma (2013) verstärkte sich die Band klanglich: Der Sound wurde rockiger, energiegeladener, ohne die Wurzeln in der Tamasheq-Tradition zu verlieren. Chatma, das den Kämpfen der Frauen in der Sahara gewidmet ist, wurde von der Fachpresse als Meilenstein des Ishumar-Genres gefeiert und 2013 mit dem renommierten Songlines Award für das beste Album des Jahres ausgezeichnet.

Die folgenden Alben Kidal (2017) und Tamotait (2020) festigten Tamikrests Ruf als musikalische Brückenbauer zwischen Tradition und Moderne. Ihre Musik verbindet hypnotische Trance-Elemente mit psychedelischem Rock und der rohen Energie der Wüste – ein Sound, der vor allem live seine volle Wucht entfaltet. Nach unzähligen Tourneen durch Europa, Afrika, Nord- und Südamerika, Japan, Südkorea und Australien gilt Tamikrest heute als eine der prägendsten Stimmen der afrikanischen Musikszene und als wichtiger Akteur der internationalen Rockkultur. Ihre Musik ist nicht nur Klang, sondern auch politisches Statement und kulturelles Erbe.

Malphino entführt in die mystische Welt eines fiktiven tropischen Inselstaats – ein Kollektiv aus Londoner Musikern und Künstlern, das mit „Visit Malphino“ ein filmreifes Debütalbum schuf. Hier verschmelzen hypnotische Cumbia-Rhythmen, digitale Triller, Akkordeonklänge und der raunende Charme von Voodoo zu einer einzigartigen Soundkulisse. Wer durch den imaginären Torbogen schreitet, betritt eine Idylle, die zum Entdecken einlädt.

Das Album ist ein episches Werk mit 17 Titeln, die wie ein Klangteppich die Mythologie der Insel erzählen. Jeder Track steht für ein eigenes Element, spiegelt das Wachstum einer Idee: vom lockeren Gedankenkreis weniger Freunde hin zu einer lebendigen, kollektiven Fantasie.

Nach dem Debüt kehrte Malphino 2021 mit einer Single auf Bongo Joe Records (Club Coco Compilation von Coco Maria) und einer neuen EP auf Lex Records zurück – und festigte so den Ruf als eine der kreativsten Formationen zwischen Tropik-Klängen und moderner Experimentierfreude.

Die Band setzt auf theatralische Performances mit Kostümen, die an tropische Rituale und Kolonialzeit-Romantik anknüpfen. Ihre Videos sind oft collageartig, kombinieren Animationen mit Live-Aufnahmen und schaffen so eine traumhafte, fast rituelle Atmosphäre.

Bei Konzerten wird die „Insel Malphino“ durch Lichtinstallationen, Projektionen von Dschungel- und Meeresmotiven sowie interaktive Elemente zum Leben erweckt. Das Publikum wird Teil einer fiktiven Expedition – zwischen Tiki-Kultur, Voodoo-Andeutungen und futuristischen Akzenten.

Malphino schafft ein Gesamtkunstwerk – die Musik ist nur ein Teil einer größeren, sinnlichen Erzählung. Die visuelle Sprache ist so einzigartig wie ihr Sound: eine Hommage an exotische Fantasien, durchzogen von moderner Kunst und DIY-Charme.
MADANII ist eine Genre-Rebellin, eine Künstlerin, die Grenzen verwischt und kreative Impulsgeberin aus Berlin. Mit einer künstlerischen Vision, die tief in der persischen Kultur verwurzelt ist und geprägt von ihrer Kindheit als Tochter politischer Geflüchtete in Deutschland, verwebt MADANII Rhythmen, Sprachen, Politik, Formen und Klänge zu einem neuartigen musikalischen und visuellen Mosaik.

In ihrer Musik erzählt MADANII eine autobiografische Geschichte des Andersseins, des Nicht-Dazugehörens und der Zerrissenheit zwischen Kulturen, generationenübergreifenden Träumen, politischen Absurditäten und queerer Liebe – all das spiegelt sich in einem einzigartigen Stil wider, der Einflüsse aus Avant-Pop, Alternative R&B und Trap vereint.

Bekannt für ihren interdisziplinären Ansatz, kreiert MADANII für jeden ihrer Songs eine zutiefst persönliches audiovisuelle Werk. Mit ihrem unverwechselbaren Stil haben ihr bereits Vergleiche mit Künstlerinnen wie Sevdaliza, FKA Twigs oder Rosalía eingebracht.

COSMICA BANDIDA ist ein kolumbianisch-deutsches Duo, bestehend aus Manuela Illera und David Blitz, das hypnotische Rhythmen, rohe Energie und kosmische Texturen mit dem Klanggeist tropischer Psychedelia verbindet. Mit analogen Disco-Synthesizern, kolumbianischen Cumbia-Grooves, peruanischen Chicha-Echos und elektrischen Beats ist ihr Sound sowohl ursprünglich als auch futuristisch. Ihre Live-Auftritte sind immersive Rituale, bei denen verzerrte Gitarren, sich wiederholende Melodien und tiefe Percussion mit stampfenden Basslines verschmelzen und sowohl den Körper als auch die Seele ansprechen. Sie sind bereits in mehreren Städten Europas aufgetreten und haben Konzerte für internationale Bands der globalen Psychedelic-Szene wie Meridian Brothers, Conjunto Media Luna und Altin Gün eröffnet.

Auf dem Debutalbum Fieras von 2025, erschienen bei TRIKONT, entfaltet sich ein musikalisches Universum voller Mythen, Rituale und sinnlicher Visionen. Psychedelische Texturen sorgen für mentale Frische und körperliche Zuckungen dank der unwiderstehlichen Macht der im Midtempo gehaltenen Cumbia-Grooves, zu denen sich verrückte Gitarre und Orgellines und Illera singt und flüstert dazu. Jeder Track öffnet eine neue Tür: von surreal über feurig bis zu hypnotisch reicht das Repertoire. Einflüssen aus Italo Disco, Trap und Latin Alternative kommen mal subtiler, mal offensichtlicher zu Tragen auf einem Album wie ein klangliches Ritual, das Körper, Schatten und Stimmen auf einer tropisch-kosmischen Tanzfläche vereint.

Los Babriks: Die aus allen Ecken der Welt stammende, sechsköpfige Band spielt eigene Kompositionen. Mit​ ​einer Mischung aus Cumbia, Chicha und Cumbia Psicodelica ziehen Los Babriks das Publikum in​ ​ihren Bann und laden ein zum Tanzen und Feiern.​ ​Die treibende Percussion-Sektion, bestehend aus Timbale, Conga und Bongo/Guiro,​ ​verschmelzen mit hypnotischen Basslines und bilden das Fundament für eine spannende​ ​Konversation zwischen E-Gitarre, Orgel und Gesang.​

​Die ursprünglich aus Kolumbien stammende Musikrichtung Cumbia verbindet afrikanische​ ​Rhythmen mit indigenen Melodien und spanischer Lyrik. Im Laufe der Zeit hat sich die Cumbia​ ​über den gesamten lateinamerikanischen Kontinent verbreitet und sich dabei immer weiter​ ​entwickelt bzw verändert.​ ​Durch die unterschiedlichen Einflüsse der Bandmitglieder entsteht eine interessante Mischung,​ ​wobei der Peruanische Style Chicha deutlich heraussticht. Während in der Kolumbianischen​ ​Cumbia Flöten und Akkordeon einen dominanten Platz einnehmen, sind es bei der Chicha​ ​E-Gitarre und Orgel.​
​Durch den Einfluss von Surf und Rockmusik der 60/70er Jahren, die zu dieser Zeit klanglich stark​ ​geprägt ist von Soundeffekten wie Overdrive, Echo, Delay, Wahwah und Vibrato/Chorus etc. ,​ ​entsteht auch in diesem Style ein psychedelisch anmutender Vibe, daher auch der Name Cumbia​ ​Psicodelica.​

​Das Projekt Los Babriks entsteht 2022. Gegründet durch Mauricio-Joran Ceseña und Hector Tapia,​ ​die sich vorerst zu zweit im Studio treffen, um an ihrem ersten Album zu arbeiten.​ ​Weitere Musiker schließen sich dem Projekt an: Jose Maldonado an den Congas, John Marinelli an​ ​der Orgel, Gonzalo Blasco an der E Gitarre und Minori Shimayama an den Timbales.​ ​2023 spielen die Babriks ihr erstes Konzert im Café Sonderbar auf dem Kultfestival Dachau.​ ​Im​ ​April​ ​releast​ ​die​ ​Band​ ​ihr​​Debütalbum​​„El​​Vuelo​​del​​Babrik“​​über​​OneWorldRecords​​auf​ ​allen Streaming Plattformen​​und auf Vinyl.​

​Im​ ​Laufe​ ​des​ ​Jahres​ ​erscheinen​ ​zwei​ ​Live-Sessions​ ​auf​ ​YouTube​.​ ​Los​ ​Babriks​ ​spielen​ ​zahlreiche​ ​Konzerte,​ ​angefangen​ ​von​ ​einer​ ​ausverkauften​ ​Album-Release-Party​ ​über​ ​Straßenfestivals und Clubkonzerte bis hin zu Elektrofestivals begeistert die Band ihr Publikum.​

Cumbia Dub Club ist ein Projekt, das 2009 innerhalb der Wohnprojekte und der alternativen Szene in Tübingen entstanden ist. „Your local cumbia dealer“ – Petardo – ist Peruaner und legt Musik von Vinyl bis hin zu digitalen Formaten auf. Eine musikalische Reise von Kuba nach New York, von Cartagena nach Lima und von Buenos Aires nach Mexiko – Cumbia, Guaracha, Salsa, Boogaloo sind nur einige der Stilrichtungen, die in dieser musikalischen Auswahl erklingen.

Zum Start machen 2raumwohnung mit klassischen Singles Furore. Die deutsche Sprache im Pop bekommt eine neue, progressive Adresse. „Wir trafen uns in einem Garten“ und "Nimm mich mit - Das Abenteuer Liebe usw.“ sind luzide Songs, die das Lebensgefühl zum Millennium widerspiegeln. Nicht nur in Berlin. Ein Nerv ist getroffen, der unerwartete Erfolg beflügelt sie. Das Debutalbum „Kommt Zusammen“ im Sommer 2001 stärkt die Position zwischen Elektronik und Singer/Songwriter-Gitarren. Schon bald müssen 2raumwohnung in Interviews die Popkultur ihrer Zeit deuten. In der 2002er Remix-Version des Albums betonen sie ihre Nähe zur Underground-Szenerie in den Clubs. Die Nachfolgeplatte „In Wirklich“verstärkt diesen offenen, vielfach inspirierten Mix, der 2003 mit dem Deutschen Dance Award prämiert wird. Während die Single „Ich und Elaine“ zu einer Hymne der Nullerjahre wird, gehen 2raumwohnung mit ihrem Mix aus analoger Wärme und digitaler Präzision auf Langstrecke. Dabei experimentieren sie weiterhin mit den Formaten: Als DJ-Team widmen sie sich den härteren, funktionaleren Beats. Auf der Live-Bühne lassen sie sich von einem kompletten Band- LineUp begleiten.

Das Sommermix-Projekt „Melancholisch Schön“ (2005), bei dem 2raumwohnung in südamerikanischer Sehnsucht schwelgen, und das Charterfolg-Album „36 Grad“ (2007) stehen für die kontinuierliche Erweiterung des musikalischen Spektrums, aus dem sie ihre unverkennbaren Songs erschaffen. Eine künstlerische Ebene, die ihnen ausreichend Freiräume bietet, um mit mit jeder Platte Neuland zu betreten - ob sie nun den Retro- Futurismus der Siebziger aufgreifen wie bei „Der letzte Abend auf der Welt“ des Albums „Lasso“ (2009) oder in einer Art „Field Recording“ vor Ort den Flair der amerikanischen Westcoast zur Produktion des Albums „Achtung, Fertig“ (2013) nutzen. Californication, made in Berlin. Die enge Verbundenheit zur internationalen DJ-Szene war über diese Jahre stets präsent. Das zeigen zahlreiche Mix-Kooperationen, wie etwa mit Paul van Dyk („36 Grad“, 2007), Paul Kalkbrenner, Solomun (jeweils „Wir Werden Sehen“, 2011/12) oder Westbam („Bei Dir Ich Schön“, 2013).

Die Variationen ihres Doppelalbums „Nacht und Tag“ (2017), auf dem 2raumwohnung jeden Song zweifach auflösen, ist die Fortschreibung dieser musikalischen Biografie des stetigen Wandels. Auf ihrem ersten Doppelalbum werden zehn Songs jeweils in einer (dunklen) Club- und einer (hellen) Tagsüber-Variante interpretiert. Deutsche und englische Lyrics wechseln sich ab, noch so ein Novum in ihrem Werk, produziert in den heimischen Brunnen International Studios. Dass 2raumwohung Gitarren-Pop und moderne Elektronik nahtlos verweben können, zeigt sich hier noch einmal eindrucksvoll. Und einmal mehr beweisen Remixe, zuletzt am Beispiel der Single „Somebody Lonely And Me“, die DJ Koze, Ricardo Villalobos und Chi Thanh jeweils kongenial dekonstriert haben, das vielfältige Potenzial ihrer Kompositionen. Dass 2raumwohnung in ihrer Arbeit längst die Beständigkeit einer klassischen Rockband erreicht haben, finden die Beiden eher amüsant. Warum auch nicht? Auch elektronische Popmusik kann zum Lebenswerk werden.

Wichtige Hinweise für unsere Gäste:

• Keine Schirme erlaubt: Aufgrund von Verletzungsgefahr und Sichteinschränkungen sind Schirme auf dem Gelände nicht gestattet. Bitte bringen Sie bei Regen einen geeigneten Regenschutz mit.

• Essensstände: Auf dem Veranstaltungsgelände finden Sie verschiedene Essensstände.

• Mitbringen von Getränken und Speisen: Das Mitbringen von eigenen Getränken und Speisen ist nicht erlaubt.

• Verzicht auf größere Taschen: Wenn möglich, verzichten Sie bitte auf größere Taschen und Rucksäcke, um die Sicherheitskontrollen zu erleichtern.

• Foto- und Videokameras: Professionelle Foto- und Videokameras dürfen nicht mitgeführt werden. Handy- und Pocketkameras sind jedoch erlaubt.

• Awareness-Hinweis: Auf dem Veranstaltungsgelände steht Ihnen unser Awareness-Team jederzeit zur Verfügung. Bitte wenden Sie sich an unser Team, wenn Sie Unterstützung benötigen oder unangenehme Situationen erleben.

Dafür sorgen drei Acts aus der süddeutschen Clubszene: Marco Bastone, Chamelio 3000 und das Duo Kurzundknackig. Mit ihrer langjährigen Erfahrung, unterschiedlichen musikalischen Einflüssen und einem Gespür für die Dynamik der Tanzfläche nehmen sie das Publikum mit auf eine vielseitige Reise durch elektronische Sounds – von warmen House-Vibes bis zu knackigen Techno-Momenten.

Komm vorbei. Tanz dich zurück – und nach vorne zugleich.

Unsere DJs an diesem Abend:

• Marco Bastone

• Chamelio 3000

• KurzundKnackig

Marco Bastone
lebt Musik mit jeder Faser seines Körpers. Aufgewachsen in einer musikalischen Familie in den Tiroler Alpen zog es ihn später in die größere Stadt Stuttgart, wo er sich rasch einen Namen in der lokalen Szene machte. Seine ersten Schritte führten ihn in Clubs wie das Cine Colibri. Dort etablierte sich auch seine Eventreihe INFORMatic, die für sorgfältig kuratierte Musik stand und ein Publikum anzog, das für die Tanzfläche lebte.
Sein charakteristischer Sound bewegt sich zwischen House, balearischen Einflüssen und progressiven Klanglandschaften. Mit diesem Stil spielte er bereits in verschiedenen europäischen Metropolen, darunter Zürich, Wien und Berlin.
In den vergangenen Jahren übernahm Marco eine leitende Rolle im international bekannten, intimen Stuttgarter Club Romantica, wo er zugleich als Resident-DJ regelmäßig hinter den Decks steht. Wenn Marco Bastone auflegt, entwickelt sich ein Set, das sich ständig weiter bewegt und Raum für Überraschungen lässt.

Marco auf Resident Advisor
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Chamelio 3000

Chamelio3000 verbindet vielfältige musikalische Einflüsse mit einem fließenden Wechsel durch elektronische Genres und formt daraus eine dynamische klangliche Reise. Der DJ und Produzent aus Süddeutschland mit griechischen Wurzeln entwickelte seine Leidenschaft stark durch die prägenden Szenen von Chicago und Detroit.
Seine Affinität zu rohem, funktionalem House und Techno prägt auch seine eigenen Produktionen. Die Tracks sind klar auf den Dancefloor ausgerichtet und spiegeln seine persönliche musikalische Handschrift wider.
Auf dem Leipziger Label Tura erschien seine EP „Ruby“. Der Track **„**Please Come Now!“ fand schnell seinen Weg in Sets und Playlists von Künstlern wie Super Flu, Solee, Gespona, Schlepp Geist, EdOne und weiteren DJs der Szene.
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KurzundKnackig - der Name ist Programm. Knackiger Sound von Teacher Daniel Calisse und seinem Padavan "die Kurze" Yvonne. Das Heilbronner Duo kennt sich schon seit 25 Jahren aus der legendären "Alten Giesserei" und bringt seit sechs Jahren das Nachtleben in Schwung. Die musikalische Reise geht von Minimal bis Techno, abhängig von Uhrzeit und Zustand.
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Gero Koenig
Seit der Erfindung des präparierten Klaviers durch den amerikanischen Komponisten John Cage ist es für Musiker und Komponisten eine Selbstverständlichkeit, das Klavierspiel durch Aktionen im Inneren des Instruments zu bereichern. Der Komponist und Performer Gero Koenig denkt diese Techniken des Inside Piano Playing seit Jahren systematisch weiter und entwickelte schließlich mit Chordeograph ein Saiteninstrument, welches dem Ursprung nach ein modifizierter Flügel ist, sich jedoch durch einschneidende Umbauten und Eigenentwicklungen zu einem ganz neuen Instrument mit einzigartiger Klangwelt entwickelte. So handelt es sich bei dem Instrument Chordeograph um eine völlige Neukonstruktion, alle Komponenten einschließlich der Saiten sind neu konstruiert bzw. berechnet, in Kooperation mit verschiedenen Technikern gefertigt und in einem jahrelangen trial and error Prozess getestet worden. Indem Gero Koenig die Saiten einer schräg vor ihm aufgestellten Rahmenkonstruktion mit Leisten aus Metall, Holz und Kunststoffen reibt, lässt der Komponist eine Klangwelt entstehen, die an die majestätischen Klänge der Orgel und an die feinen obertonreichen Gespinste von Streichern erinnern kann. Zudem entstehen mit Chordeograph komplexe mikrotonale Klanggemische, die in dieser Reichhaltigkeit bislang nur aus der elektronischen Musik bekannt sind. Bereits minimale Änderungen der Bewegung können zu intensiven Klangveränderungen führen.

Limbus
Zwei Werke von Henri Michaux, L’infini Turbulent und Connaissance par les gouffres, bildeten den Ausgangspunkt für dieses Projekt.
Michaux’ Experimente mit psychotropen Substanzen werfen die Frage nach unserer Wahrnehmung der Realität und unserer Fähigkeit, uns mit ihr zufrieden zu geben, auf. Wenn Michaux in halluzinierte Welten abrutscht, liefert er uns aus seinen Experimenten eine Summe von Alternativen, die uns nicht gleichgültig lassen können. Denn wenn wir in unserer Zivilisation angeblich frei sind, die Welt wahrzunehmen, gescheht dann nicht das Gegenteil?
In einem ultradigitalisierten Leben, das von sozialen Netzwerken gesteuert wird, sitzen wir alle im selben Boot und ersetzen die Erfahrung der Realität nach und nach durch eine ständige Fülle von Bildern. In Wirklichkeit erlegt uns das System, in dem wir leben, immer mehr Einschränkungen auf, überwacht, analysiert und verarbeitet unsere kleinsten Handlungen und Gesten. Was bleibt bei diesem fröhlichen, allgemeinen Konsum unserer eigenen Bilder noch von der Realität übrig?
Die Halluzination, wie Michaux sie uns liefert, scheint letztlich anders stimulierender zu sein als dieser Zustand der Abhängigkeit, den uns die Netzwerke aufzwingen. «Die Halluzination ist unendlich viel wahrer als der Anblick der gewöhnlichen Wirklichkeit. Da die Wirklichkeit aus widersprüchlichen Elementen und Eindrücken besteht, ist sie zweifelhaft, unterhaltsam, fragmentarisch. Sie lenkt ab. Sie wird wahrgenommen (vor allem als Hindernis). Die Halluzination hingegen, die auf bewundernswerte Weise synergetisch, synthetisch, «aus einem Guss» ist und perfekt, ohne Grat, ohne zu viel und ohne zu wenig mit dem Bild übereinstimmt, kann nicht bezweifelt werden. Sie kann nicht angezweifelt oder in Frage gestellt werden. - ADÄQUAT.»

Das szenografische Konzept von Limbus beruht auf einem Prinzip der Verdopplung, das an die von Michaux beschriebenen Wahrnehmungsphänomene erinnert. Auf der Vorderbühne befindet sich ein klassischer Konzertraum mit Tischen, Instrumenten, technischen Geräten, einem Autowrack... ein stimmungsvolles Bühnenbild, das jedoch mit dem Theater verwandt bleibt. Hinter der Bühne befindet sich eine «Bildschirm-Tür», die den Zugang zu einer anderen Welt ermöglicht, in der die beiden Darsteller ihre Identität verlieren, sich verdoppeln, sich verwandeln... Abwechselnd monströse oder rätselhafte Figuren, beginnen sie einen seltsamen Weg durch das, was nach und nach ein Labyrinth bildet.

Die Erzählung dreht sich um die Verbindung zwischen diesen beiden Welten; sehr schnell entsteht eine Porosität zwischen der Bühne und der Leinwand, wobei jede Welt (materiell und in der Fantasie) die andere kontaminiert. Es beginnt eine Art «Roadtrip», der uns durch lange Korridore mit schrecklichen Kreaturen führt, in das Wohnzimmer einer Tätowiererin mit ihren gefährlichen synthetischen Instrumenten, zu einem Autorennen und einer anschließenden Jagd im Wald... Diese halluzinierte Welt, die gleichzeitig alptraumhaft und jubilierend ist, entgleitet uns nach und nach und mündet in ein Videokonzert, in dem die Energie eben- falls außer Kontrolle geraten zu sein scheint. Um diese unwahrscheinliche Verwicklung zu erleichtern, wird das Publikum regelmäßig aufgefordert, sein Gesicht zu maskieren (Schlafmasken, die am Eingang verteilt werden). Diese Phasen der Dunkelheit erleichtern den Wechsel der Bühne sowie die Effekte des Erscheinens oder Verschwindens und bieten außerdem die Gelegenheit, durch den Klang andere Vorstellungswelten zu entfalten (Verwirrung, Veränderung des Klangraums, kollektive akustische Halluzinationen…).
Konzept, Komposition, Video (Film und Animation) : Pierre Jodlowski
Performer, Schauspieler, Klangmaterial, Improvisationen: HYPER DUO
Technische Unterstützung, Tonaufnahmen (Film), Bühnenregie: Matthieu Guillin
HYPER DUO : Gilles Grimaitre [Keyboards, modularer Synthesizer, Gesang]
Julien Mégroz [Schlagzeug, Percussion, Elektronik]

Die Künstler:
Gero Koenig – Performer und Klangkünstler

Gero Koenig lebt und arbeitet als Performer und Klangkünstler in Köln. Die Vision einer Erweiterung des Hörerlebnisses führte ihn zu Klangmodulationen jenseits statischer Tonsysteme. Aus seiner Klangforschung erfindet und konstruiert der Künstler neue Instrumente, mit denen er das Klangspektrum bestehender Saiteninstrumente erweitert und neue Aufführungsformate realisiert. Er verwebt Instrumente aus seiner Chordeograph- Serie mit grafischen Interfaces, um deren Resonanzkörper als interaktiven Klangraum zu eröffnen.

Der Künstler von LIMBUS:
Pierre JODLOWSKI ist Komponist, Performer und Multimedia-Künstler. Seine Musik, die oft durch eine hohe Dichte gekennzeichnet ist, bewegt sich an der Schnittstelle zwischen akustischem und elektrischem Klang und zeichnet sich durch einen dramatischen und politischen Bezug aus. Seine Tätigkeit als Komponist führte ihn zu Auftritten in Frankreich und im Ausland an den meisten Orten, die der zeitgenössischen Musik gewidmet sind, sowie in anderen künstlerischen Bereichen wie Tanz, Theater, bildende Kunst und elektronische Musik. Sein Schaffen erstreckt sich heute auf viele Bereiche: Film, interaktive Installationen, Inszenierungen. Er definiert seine Musik als einen „aktiven Prozess“ auf der physischen Ebene [musikalische Gesten, Energie und Raum] und auf der psychologischen Ebene [Beziehung zum Gedächtnis und visuelle Dimension des Klangs]. Parallel zu seinen Kompositionen tritt er auch auf verschiedenen Bühnen (Experimental, Jazz, Elektronik) auf, solo oder mit anderen Künstlern. Seit 1998 ist er künstlerischer Co-Leiter von éOle (einem Forschungs- und Produktionsstudio mit Sitz in Toulouse) und seit 2019 künstlerischer Leiter des Musica Electronica Nova Festivals, das vom Nationalen Musikforum in Breslau, Polen, veranstaltet wird. Derzeit ist er als assoziierter Komponist für den Kompositionskurs am IRCAM tätig.

Mit über zehn Studioalben und internationalen Auftritten hat sich Diorama eine leidenschaftliche Fanbasis aufgebaut. Club-Hymnen reihen sich an kunstvoll arrangierte Midtempo Balladen, Anleihen aus Industrial und Progrock klingen an. Auf der Bühne zeigt sich Diorama energiegeladen und visuell stark - ein Live-Erlebnis, das ins Herz trifft. Ob auf Festivals oder in intimen Clubshows: Jede Show ist eine Reise durch Licht und Schatten, ein Tanz auf dem schmalen Grat zwischen Euphorie und Abgrund, zwischen Eskapismus und Konfrontation.

Unter der headline "a substitute for light" setzen Diorama ihre musikalische Reise 2025/2026 fort.

Lineup:
Torben Wendt - Gesang | Zura Dzagnidze - Gitarre | Felix Marc - Keyboards | Markus Halter - Drums